domingo, 20 de julio de 2008
La vida de Vincent Van Gogh
Vincent Van Gogh (1853-1890) fue un destacado pintor holandés en el género del postimpresionismo.
Llegó a pintar 900 cuadros (27 de ellos autorretratos), 1.600 dibujos y escribió 800 cartas, 650 de ellas a su hermano Theo, el único que le comprendía.
Vincent nació en Zundert, Holanda y empezó a aficionarse a la pintura desde la escuela, en donde no era buen estudiante, pero durante toda su vida si se enorgullecía de ser un gran autodidacta.
Pese a su dedicación a los dibujos, muchos maestros de este arte le dijeron que nunca iba a ser un pintor profesional porque no sabía pintar.
Trabajó en galerías de arte en Londres, propiedad de algunos parientes suyos. De vuelta en Holanda, quiso ser sacerdote, y estudió teología. Fue enviado como misionero a las minas de Borinage en Bélgica en donde ayudó a la gente, y les dio todo lo que tenía. Fue aquí en donde comenzó a pintar y a vivir de cerca la tragedia humana.
Poco después marcha de nuevo a Londres en donde estuvo al frente de un hospicio para niños, pero resulta decepcionado de la religión y sobre todo de quienes se encuentran al frente de ella, ya que los considera hipócritas, así que decide alejarse de Londres y marcha a la Haya, en donde conoce a Sien.
Sien era una prostituta que rondaba las calles londinenses y Vincent al verla tan desamparada y necesitada, le pide que viva con él, y de ella contrae el sífilis y la gonorrea, lo que provoca que Vince termine hospitalizado. Sus padres se enojan mucho con él por mantener relaciones con una mujer de la calle.
Fue siempre un hombre solitario, de aspecto desaliñado y con la mirada hundida y perdida. Decía que solamente se sentía un ser humano lúcido cuando pintaba, ya que podía llegar a llorar cuando lo hacía.
En 1880 comenzó a pintar de forma más continua, y en 1886 se muda a París con su hermano Theo, en donde conoce a todos los artistas de la época, es decir, los llamados Impresionistas. En 1888 se traslada a Arles, en donde fundaría un taller con Paul Gauguin, pintor post impresionista y expresionista.
El débil estado de salud mental de Van Gogh provoca que una noche trate de atacar a Gauguin, y poco después se corte una oreja, la cual regala a una prostituta. Van Gogh sufría de crisis epilépticas, tenía ataques paranoides y esquizofrénicos, y estuvo recluido en hospitales para enfermos mentales de manera voluntaria.
Su aspecto desaliñado y depresivo alejaba de él cualquier prospecto amoroso. En el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence le es habilitada una habitación para que siga pintando. Aquí empezó una frenética vida artística en donde se inspiró en Rembrandt.
Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.
Finalmente, el 27 de julio de 1890 sale a caminar por el campo, se dispara con un arma de fuego en el pecho y regresa a su habitación para morir dos días después, dejando inacabado el cuadro llamado "Los Cuervos".
En su entierro todos los que le conocían trajeron flores amarillas para su tumba.
Aquí esta un video con las principales obras de Van Gogh, el cual está musicalizado por una canción que Don McLean escribió exclusivamente para este maravilloso artista.
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Remedios Varo
Les Feuilles Mortes, 1956
Remedios Varo Uranga ( 1908 - 1963 ) es una pintora surrealista mexicana de origen español.
Nacida el 16 de diciembre de 1908 en Anglés, España, mostró desde pequeña una natural inclinación e interés por la pintura. Alentada por su padre ingresó en 1924, a la edad de 15 años, a la Academia de San Fernando en Madrid.
Presencia Inquietante, 1959
Al final de sus estudios, contrajo matrimonio con uno de sus compañeros de estudios, Gerardo Lizárraga, con quien parte a París, Francia, donde residirá durante un año. A su retorno en 1932, se establece en Barcelona, donde ejerce en compañía de su esposo el oficio de dibujante publicitario.
En 1935 se separa de su primer esposo, y hace conocimiento con el pintor Esteban Francés, quien la introduce al círculo surrealista de André Breton. Una vez familiarizada con el movimiento surrealista, se integra al grupo Logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma, utilizando formas sugerentes de tales estados. Durante su colaboración con este grupo, Remedios Varo pinta L´Agent Double, obra que ya anticipa su estilo reconocido posteriormente.
Creación de las aves, 1958
Durante la guerra civil española, Remedios Varo opta sin dudar por el lado republicano. También durante este período y en buena medida gracias a su activo soporte a los antifascistas, conoce al poeta Benjamín Péret, con quien establece una relación amorosa, y parte por segunda vez a París. Ciudad donde residirá hasta la invasión nazi.
En 1941 la pintora y el poeta abandonan la Francia ocupada, y emigran a México, país donde gracias a la política del presidente Lázaro Cárdenas de acogida de refugiados políticos, son rápidamente naturalizados y autorizados a desarrollar una actividad laboral.
Nacer de nuevo, 1960
En 1947 Remedios se separa de Benjamín Péret, quien retorna al París ya liberado para entonces. Gracias a sus contactos anteriores y sus actividades en México, Remedios parte ese año a Venezuela, como integrante de una expedición científica del Instituto Francés de América Latina. Estando en Venezuela, además de su trabajo de ilustradora entomológica, la pintora pudo continuar enviando carteles publicitarios para Bayer, así como trabajar un corto lapso para el instituto de malariología venezolano.
En el año de 1949 retorna a México, donde continuará con su labor de ilustradora publicitaria. Hasta que en 1952 contrae segundas nupcias con el político austríaco Walter Gruen, con quien permanecerá hasta el final de sus días.
Ruptura, 1955
Fue Gruen quien convence a Remedios Varo de abandonar sus labores comerciales, para consacrarse totalmente a la pintura.
En 1955, la pintora presenta al público sus trabajos en una primera exposición colectiva, en la galería Diana de la Ciudad de México. Seguida al año siguiente de una exposición individual.
Taxi acuático, 1962
Durante su estancia en México, la pintora conoció personalmente a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, pero estableció nexos de amistad más fuertes con otros intelectuales en el exilio, en particular la también pintora surrealista Leonora Carrington.
Remedios Varo fallece de un paro cardíaco el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México.
Vampiros Vegetarianos, 1962
El trabajo de esta pintora siempre ha causado en mi fascinación e inquietud. Sus lienzos son un constante descubrimiento de personajes fantásticos, ciencia, sueños y magia. Cuando ves por primera vez un cuadro de Remedios Varo no puedes sentir indiferencia. Ver uno de sus cuadros es sumergirte en un mundo aparte lleno de simbolismos del inconciente.
Remedios-Varo
Surrealismo
Leonardo da Vinci
Leonardo di Ser Piero da Vinci (Anchiano, Italia, 15 de abril de 1452 – Cloux, Francia, 2 de mayo de 1519), (que no se ha de confundir con Leonardo Vinci (1690-1730), músico italiano) fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor e ingeniero, el hombre del renacimiento por excelencia.
Nació en las afueras de Florencia, en la pequeña localidad de Anchiano en 1452, aunque para otros nació en Vinci, de ahí su "apellido", antes de que se adoptaran las convenciones de nombres actualmente vigentes en Europa, por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre (Ser Piero) y la localidad de nacimiento siendo entonces "Leonardo di Ser Piero da Vinci".
Sin embargo, Leonardo acostumbraba firmar sus trabajos como Leonardo o Io, Leonardo (yo Leonardo), es decir, sin emplear el nombre de su padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo.
Mujer con armiño, 1483
Desde temprana edad se destacó en la pintura, la geometría, la mecánica y la música. Por diversas constancias documentales, podemos afirmar que llegó a preconcebir el avión, el tanque de guerra, el esnórquel de buceo, el paracaídas y un artefacto parecido al helicóptero.
Además hizo certeras observaciones sobre diversos restos de fósiles. A lo largo de su vida, Leonardo se mantuvo como vegetariano por razones éticas. Sus primeros bocetos eran de tal calidad que tan pronto como su padre los mostró al pintor Andrea del Verrocchio este tomó al joven de catorce años como aprendiz. Posteriormente Leonardo montó su propio taller como pintor independiente en Florencia.
Leonardo mantuvo su vida privada particularmente en reserva, yendo al extremo de escribir sus diarios utilizando una forma de encriptación básica (escribiendo especularmente, de manera que había que utilizar un espejo para poder leer sus escritos al derecho), no constituyendo ello un código propiamente tal, pero que bastaba para dificultar suficientemente la lectura de sus escritos. Afirmaba también tener una falta de interés en la relaciones físicas involucradas en la procreación humana.
Juan el Bautista, 1513
Leonardo es bien conocido por su obra pictórica, entre la que destacan La Gioconda (Mona Lisa), (actualmente en el museo del Louvre de París) y La última cena. Sin embargo, hasta nuestros días sólo han llegado 70 pinturas y ninguna de sus esculturas.
Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.
Sus elucubraciones sobre temas técnicos y científicos eran registrados por Leonardo con minuciosidad y en ellos se combinaba perfectamente el arte con la ciencia para representar de la mejor manera posible la materialización de sus ideas.
La Virgen, el niño y Santa Ana, 1519
Dotado de una aguda capacidad de observación, su aproximación a la ciencia nunca destacó por sus explicaciones teóricas ni por recurrir a experimentos; en cambio, para comprender los fenómenos que le interesaban los describía y dibujada hasta sus últimos detalles; planeando realizar una gran enciclopedia basada en detallados dibujos de todo lo conocido.
Leonardo nunca publicó o distribuyó los contenidos de sus manuscritos que permanecieron inéditos hasta el siglo XIX cuando pudieron conocerse sus contribuciones al desarrollo técnico y científico. Por esta razón L. Sprague de Camp le considera no como el primer ingeniero moderno, sino como el último de los ingenieros de la antigüedad, haciendo notar que tras la época de Leonardo se formalizó la publicación de los descubrimientos científicos.
La Ultima Cena, 1498
Sus contribuciones a otras artes, por ejemplo la escultura, y a ciencias como ingeniería, mecánica, física, biología, arquitectura, anatomía, geología y matemáticas fue decisiva. Considera a estas últimas como la llave de la naturaleza.
La Gioconda, 1519
Aunque su obra conocida en esta especialidad no está escrita con suficiente rigor ni los resultados obtenidos fueron decisivos en aquel momento, merece, sin embargo, ser considerado en la historia del pensamiento matemático universal por sus prodigiosas intuiciones, en particular, las de carácter geométrico. Algunas de ellas se plasmaron en realidades en los siglos posteriores.
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Subastarán pertenencias de la Callas
Agencia EFE.-Admiradores y coleccionistas podrán comprar el próximo miércoles cartas de amor, fotos y objetos personales de María Callas, durante una subasta que se celebrará en Milán treinta años después de su muerte.
Los objetos a la venta están divididos en 330 lotes y entre ellos se halla una copa de plata de Tiffany con la dedicatoria "Nuestra generación será recordada por sus artistas", regalo del entonces presidente de Estados Unidos John F. Kennedy.
También hay cuadros de su apartamento de París y de la casa que compartió con su primer marido, el italiano Giovanni Battista Meneghini, en el Lago de Garda (en el norte de Italia) y mensajes de admiradores.
Entre esos mensajes a la que fue apodada como La Divina, figuran los del compositor y director de orquesta estadounidense Leonard Bernstein, en los que le llamaba My private soprano (Mi soprano privada) o Cara Divina (Querida Divina).
A esos objetos se unen miles de fotografías, entre ellas la que se tomó en noviembre de 1976 en París junto a Bernstein, con la dedicatoria "For my beloved Maria from her almost lover, Lenny B." (Para mi amada María de su casi amante).
Entre los platos fuertes de la subasta figuran las más de sesenta cartas de amor que la diva de la lírica escribió cuando tenía 23 años a Meneghini, treinta años mayor que ella, y que la encaminó a la fama."¡Estimado Amor! ¡Se acerca el día en el que vaya a encontrarte! ¿Me quieres?, ¡Soy tuya!" es una de las frases que se puede leer en una de esas cartas dirigidas a Meneghini, cuando La Divina era una chica aún desconocida y con problemas de sobrepeso.
María se casó con Meneghini en 1949, que hasta ese momento había sido su representante."Todo mi amor y todos mis pensamientos son para ti" , se lee en una postal que la joven envió a su marido desde Sudamérica.El 17 de junio de 1949, María escribe desde Buenos Aires: "Te escribo hoy, día de los grandes ensayos y de la gran lección que quiero dar a todos".
Este grupo de cartas que testimonian el profundo sentimiento de María hacia su primer marido, antes de conocer a Aristóteles Onassis, se ofrecerá en la subasta en conjunto y su valor estimado es de 50 mil a 70 mil euros.Todos esos objetos han sido expuestos desde el 9 de septiembre en Villa Torrigiani, en Lucca (en el centro de Italia), dentro de una de las varias exposiciones dedicadas a María Callas con motivo del treinta aniversario de su muerte, acaecida el 16 de septiembre de 1977.
Maria Anna Cecilia Sophia Kalogeropoulos (Nueva York, 2 de diciembre de 1923- París, 16 de septiembre de 1977), más conocida por el nombre artístico de Maria Callas fue una gran mezzo-soprano griega, y es considerada como la más famosa cantante de ópera del periodo de posguerra.
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Tina Modotti
Wikipedia.-Assunta Adelaide Luigia Modotti (Udine, 17 de agosto de 1896 - Ciudad de México, 5 de enero de 1942. Fue una famosa fotógrafa italiana.
A los 17 años emigró a Estados Unidos con su familia. Trabajó en Hollywood. En 1921 conoció a Edward Weston y en 1922 llegaron a México, donde conoció e hizo íntima amistad con Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Blanca Luz Brum y Frida Kahlo. Se hizo miembro del Partido Comunista Mexicano en 1927.
Apoyó activamente a la lucha de Augusto C. Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En 1928 conoce a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, durante la ejecución de Sacco y Vanzetti. Más tarde ella sería testigo del asesinato de Mella. En 1930, es acusada de conspirar para asesinar a Pascual Ortiz Rubio, presidente de México en ese entonces, por lo que fue expulsada del país.
Llega a Alemania a mediados de 1930, viaja a la Unión Soviética donde se reencuentra con Vittorio Vidali, a quien había conocido en México. Participó en el Socorro Rojo Internacional. En 1934 parte hacia España. Después de la Guerra Civil de 1936, se alista en el quinto regimiento y trabaja en las Brigadas Internacionales, con el nombre de María hasta el fin de la guerra.
En 1939, regresa como asilada a México, donde continúa su actividad política, a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi. En 1940, el presidente Lázaro Cárdenas anula su expulsión. Muere de un ataque cardiaco el 5 de enero de 1942.
Junto con Weston, fue mentora del fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo.
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Exposición sobre el amor
Durero
El Universal.-La representación artística del amor en los últimos 500 años, a través de las obras de Pierre-Auguste Renoir, Auguste Rodin, Rufino Tamayo, El Greco y Jean-Baptiste Carpeaux, entre otros, será exhibida a partir del 7 de diciembre en el Museo Soumaya dentro de la exposición El Amor hasta la Locura.
Apolo y Dafne
En esta muestra, compuesta de 180 piezas, lo mismo conviven personajes reales que mitológicos, por lo que en una misma sala puede encontrarse a Adán, Eva y Eros que un retrato de Rodin. La pintura y escultura está acompañada de diversos objetos, por lo que el concepto de cortejo, seducción y éxtasis son revelados en relicarios, moda, textiles y cromos.
Rodin
Una carta de amor escrita por Porfirio Díaz a su esposa Delfina Ortega, así como otra escrita por un médico a Maximiliano, donde le comenta que la locura de Carlota es por culpa del amor, también forman parte de la muestra.
Para el curador de la exposición, Héctor Palhares Meza, se trata de dar una visión integral del amor, donde lo erótico se une con lo espiritual, hecho que ha estado separado en los últimos años, pero que en siglos pasados estuvieron unidos.
Renoir
El objetivo, dijo, es que el público pueda encontrar un diálogo entre el erotismo y la mística en el lenguaje amoroso.
Aunque la mayoría de las piezas provienen de la colección del propio museo, algunos otros recintos como el Museo del Estanquillo, el Museo Nacional de Arte, el Centro de Estudios de Historia de México Carso y de la Fundación Miguel Alemán, prestaron obra para esta exhibición.
Renoir
Entre las piezas que se presentarán por primera vez al público se encuentran Paolo y Francesca de Ingres, uno de los artistas franceses de la corte napoleónica, que marcó el tránsito del Neoclásico al Romanticismo. En tanto del escultor florentino Battiglia, se mostrará Apolo y Dafne, un mármol cuyos detalles refieren a la metamorfosis de la ninfa en árbol de laurel.
Ingres
También se podrán apreciar retratos de Lizst, Beethoven y Verdi, entre otros, que engañan el ojo del espectador con imágenes eróticas que conforman su rostro.
En conferencia de prensa, donde participaron Soumaya Slim, vicepresidenta del museo y los sacerdotes y asesores de la muestra José de Jesús Aguilar y Philippe de la Rosiera, Héctor Plahares destacó que a pesar del contenido erótico de la exhibición, ésta fue pensada para todo público, incluso para niños.
Ingres
Como parte de la muestra se realizarán en 2008 los seminarios “María Magdalena”, “Reliquias” y “Erotismo”, así como representaciones dramatizadas en torno del amor, los días viernes y sábados a las seis de la tarde, hasta la conclusión de la misma en mayo del próximo año.
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Hiperrealismo
Wikipedia.-El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Fotorrealismo que es menos radical.
El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, claramente favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez).
Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.
Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo(: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés.
Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.
Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales .
En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.
Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.
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50 años de la muerte de Diego Rivera
Notimex
El Universal
Ciudad de México
Como un erudito, un curioso insaciable, un hombre que recibió constantes criticas por defender sus ideas, amigos, familiares y autoridades recordaron hoy a uno de lo pintores mexicanos más importantes del siglo XX en México, Diego Rivera (1886-1957), a 50 años de sus muerte.
Previo a la ceremonia realizada en la Rotonda de las Personas Ilustres del Panteón Civil de Dolores, lugar donde descansan los restos del laureado muralista, Guadalupe Rivera Marín, hija del artista, afirmó que a 50 años de su desaparición su padre es reconocido en 100 por ciento, pues los mexicanos lo admiran y lo consideran una "manifestación de la Revolución Mexicana".
Aseguró que la obra de su padre está muy bien resguardada en México, "se conserva como un joya y agradezco al gobierno actual por el empeño e interés que han puesto en revalorar su obra", dijo.
En la ceremonia, Rivera Marín, hija del muralista con Lupe Marín, recordó que su padre fue un defensor del pueblo, un luchador social que se ocupo por llevar a los muros las imágenes de la gente pobre, de obreros y campesinos que han dado su vida por el desarrollo de esta nación.
"Por eso fue criticado y por eso se le ha querido ignorar, porque se le llama comunista para hablar mal de él, para negarlo. No fue un comunista, sino un mexicano socialista, un mexicano que amó a su pueblo y que dio su vida por él, basta ver los murales", anotó.
Refirió que en ese contexto, hace 50 años, sobre el féretro que guardaba su cuerpo se quiso colocar la bandera comunista y ella lo impidió.Al respecto, en entrevista señaló que "quisieron hacer de él una figura, un héroe del comunismo y no lo permití, porque mi padre no fue stalinista, incluso José Stalin lo mandó a matar en dos ocasiones y eso está comprobado" en investigaciones históricas.
"En mi calidad de hija, era indigno que un partido hiciera bandera de un hombre, porque era un hombre de la nación, del pueblo más no de un partido", subrayó.En el acto, dijo que el 24 de noviembre de 1957, a las 11 de la noche, el artista plástico dio su último suspiro en compañía de Emma Hurtado, que entonces era su esposa, y ella misma, por lo que una opción era cremar sus restos y colocar las cenizas junto a las de la pintora Frida Kahlo en el Museo Anahuacalli.
Otra era llevarlos a la entonces llamada Rotonda de los Hombres Ilustres, para lo que recibió el apoyo del gobierno del presidente Adolfo Ruiz Cortines.Y llegó a la Rotonda porque "es un lugar que representa lo que México ha sido. Este sitio es el resumen de nuestra historia, aquí están los hombres de talento para destacar a México como lo que es: un gran país", puntualizó.
Por su parte, Ricardo Calderón, subdirector general del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), recordó a Rivera como un símbolo de la pintura latinoamericana, hombre de izquiera, personaje polémico y amigo del ruso León Trotsky.Mencionó que desde pequeño Rivera demostró cualidades para el dibujo, por lo que acudió a tomar clases a la Escuela Nacional de Bellas Artes, hoy Academia de San Carlos.
"Fue un hombre que revolucionó el arte pictórico a través de murales, obra de caballete y dibujos, un magnifico exponente de la pintura mexicana", aseveró.Dijo que fue en México donde forjó sus trabajos comprometidos con el arte mexicano, "fue en este lugar en donde se convirtió en un verdadera leyenda", subrayó.
Resaltó que museos como el Estudio Diego Rivera, Anahucalli, Nacional de Arte, Bellas Artes o lugares como el Estadio Olímpico de Ciudad Universitaria y el Cárcamo de Chapultepec, entre otros, son muestra clara de sus aportaciones la arte mexicano e internacional.
Tras la ceremonia, Guadalupe Rivera Marín y Ricardo Calderón develaron una placa conmemorativa al cincuentenario de la muerte del pintor, efeméride por la cual a lo largo del presente año se ha organizado un Homenaje Nacional.Minutos después guardaron un minuto de silencio y familiares y amigos montaron enseguida las respectivas guardias de honor.
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La Ultima Cena en Internet
AP.- Usted no necesita ir a Milán a ver La última cena, la obra maestra de Leonardo Da Vinci. Lo único que necesita es una conexión con la internet.Desde el sábado, las autoridades colocaron en la internet una imagen de La última cena de 16 mil millones de pixeles, mil 600 veces más nítida que las imágenes tomadas con una cámara digital de 10 millones de pixeles.
La alta resolución permitirá a los expertos examinar los detalles de la pintura del siglo XV que de otra manera no podrían ver, incluyendo esbozos que realizó Leonardo Da Vinci antes de pintar el cuadro.Hace posible también que las personas puedan ver los detalles como si estuvieran a unos pocos centímetros de la obra artística, a diferencia de las fotografías comunes, que suelen perder su nitidez cuando el ojo humano se acerca a ellas, expresó el curador Alberto Artioli.
“Es posible ver cómo Leonardo hizo transparentes las copas, algo que no se ve de otra manera”, manifestó Artioli. “También es posible notar el estado de degradación de la pintura”.Además de permitirle a los expertos y amantes del arte estudiar la pintura desde sus casas, Artioli manifestó que el proyecto ofrece un documento histórico de cómo luce la pintura en el 2007, que será valioso para futuras generaciones de historiadores de arte.
El trabajo, en la Iglesia de Santa María de la Gracia de Milán, fue restaurado y el proyecto para revertir los daños de medio milenio terminó en 1999.Leonardo pintó La última cena en seco, así es que la pintura es más delicada.
En los últimos años se han implementado más medidas para proteger el cuadro, lo que ha dificultado las visitas. Un total de 25 personas pueden ingresar cada 15 minutos a ver la pintura, y en todo el año la cantidad asciende a 320 mil visitantes.
Los visitantes tienen además que pasar por un sistema de filtración para ayudar a reducir la exposición de la obra de arte al polvo y otros contaminantes.“La demanda es tres o cuatro veces mayor, pero no podemos satisfacerla por los esfuerzos de preservar la pintura”, dijo Artioli.
Si quieres ver la pintura, este es el link
Leonardo-da-vinci
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