Miscelánea Cultural

The Other Sky

2010-06-27T18:44:00.000-07:00

Cortometraje de Jörg Brönnimann
Música: Lisa Gerrard

the other sky from Jörg Brönnimann on Vimeo.

Ya leíste a José Saramago?

2010-06-20T08:32:00.000-07:00

En recuerdo de José de Sousa Saramago (Azinhaga, Santarém, Portugal, 16 de noviembre de 1922 - Tías, Las Palmas, España, 18 de junio de 2010)

Ya leiste a Jose Saramago? 1/4 @ Yahoo! Video

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Ya leiste a Jose Saramago? 4/4 @ Yahoo! Video

jose saramago

Visitaciones de Carlos Monsiváis

2010-06-19T17:16:00.000-07:00

Un documental para recordar al escritor Carlos Monsiváis, un hombre urbano, moderno, amante de la Ciudad de México, con una inteligencia y coherencia sobresalientes. Siempre que lo escuchaba hablar tenía la impresión de que estuviera leyendo un libro en voz alta y de memoria, su fluidez y capacidad oral y discursiva era una de sus grandes virtudes y una de las características por las que personalmente yo siempre lo recordaré.

Carlos Monsiváis Aceves (Ciudad de México, 4 de mayo de 1938 - Ciudad de México, 19 de junio de 2010)

carlos monsivais

Pasajero de Oscar Orjuela

2010-06-19T16:50:00.000-07:00

Animación en Stop Motion

Pasajero (Ephemeral) from Oscar Orjuela on Vimeo.

oscar orjuela

Lo trivial se vuelve hermoso

2010-06-19T16:40:00.000-07:00

De casualidad encontré esta página llamada "Random Got Beautiful" creada por la diseñadora Nikki Farquharson. En ella, la artista pidió a la gente que enviara fotografías con un color predominante y con éstas armó una especie de collage unicolor y hermoso. El resultado lo podemos ver en tintes azules, verdes, naranjas, entre otros. Una iniciativa muy original, colectiva y sobre todo bella.

Random got Beautiful

NIKKI FARQUHARSON

El collage colorido de Nikki Farqhuarson

2010-06-19T16:35:00.000-07:00

Maravilloso el trabajo de esta diseñadora inglesa, encuentra más información sobre ella y su trabajo aquí

Via http://www.nikkifarquharson.com/

NIKKI FARQUHARSON

Cortometraje : Typolution

2009-02-22T10:33:00.000-08:00

Filme de animación tipográfico minimalista sobre los sabores del medio ambiente, musicalizado por la canción Nostrand del grupo Ratatat y realizado por Olivier Beaudoin, diseñador gráfico.

ascii art minimalismo tipografia digital

Amigos rinden tributo a Leonora Carrington

2009-02-12T18:17:00.000-08:00

México, 12 de febrero.-el fnanciero.- Carlos Fuentes, ingenioso, lúcido, conocedor de la obra surrealista, y dueño del lenguaje, jugó al señalar que "lo fantástico es la realidad más excepcional; la imaginación es el nombre del conocimiento del arte; el arte es el secreto de la realidad, su sueño. la obra de Leonora Carrington".

Los escritores Fuentes, Carlos Monsiváis y Elena Poniatowska rindieron hoy aquí tributo, en aras de la amistad que los une, a la pintora surrealista de origen inglés, Leonora Carrington, en un emotivo encuentro que tuvo lugar en el Museo José Luis Cuevas; el ausente, Ramón Xirau, filósofo.

Los gatos

Anthony

Cuevas, anfitrión del acto. gestionado por su esposa Beatriz del Carmen, recibió a los invitados en el patio del recinto enclavado en el Centro Histórico de esta ciudad. Ante "La Giganta", los asistentes dieron la bienvenida a Carrington, quien se sorprendió por la nutrida ovación de pie.

Monsiváis, también crítico y cronista, dejó ver su admiración por la obra de su "queridísima Leonora". Luego, y según él, inevitablemente, citó repasos y evocaciones que datan de los años en que se conocieron. "Entre 1924 y 1935 llegaron a México participantes y simpatizantes del surrealismo", recordó.

Autorretrato

Tras ese enunciado, el cronista y coleccionista de arte popular recordó que entre ellos, se encontraba Carrington. Explicó que si bien en ese entonces mucha gente no se explicaba esa corriente artística y estética, "hoy ser surrealista es poseer un título nobiliario en el campo del arte mundial".

La obra de Leonora "ha destacado entre todas las demás, por su discreción y capacidad de sorprender al público más diverso", apuntó el escritor, quien arribó al recinto enfundado en pulcro traje azul, aunque, fiel a sus decires, sin portar corbata, porque sólo la usará, dice, si llega a ser presidente.

Queria ser pajaro

Calificó a la artista de "vidente", de un ser "capaz de conocer los sueños que tras ella ya no pueden ser abandonados" y de muchas cosas más, todas ellas con una pátina de sincero aprecio por quien ha sido su amiga de años.

Martes

El baño de los pajaros

Los hijos de Leonora Carrington, Gabriel y Pablo Báez, agradecieron a nombre de su madre, en el presidium, y dieron sus puntos de vista fraternos en torno a la obra de la artista, una de las mujeres pertenecientes a la corriente surrealista, quien convivió con monstruos como André Bretón, Joan Miró, Pablo Picasso, Salvador Dalí, Peret y Alice Rahom. (Con informacíón de Notimex/JOT)

leonora carrington

Brindan homenaje a Juan Soriano

2009-02-12T17:55:00.000-08:00

El Universal.-La muestra Sueños moldeados, que será inaugurada este martes, da cuenta de los últimos años de creación artística del pintor y escultor jalisciense Juan Soriano (1920-2006), en el marco de los festejos por su tercer aniversario luctuoso, ocurrido el 10 de febrero.

El acto se llevará a cabo en el Centro Cultural Agora, del Parque Naucalli, del estado de México, y allí se podrán admirar 30 esculturas que van desde los tres metros de altura hasta los 50 centímetros. en la que se incluirán cuatro monumentales pájaros: Toro echado, Pájaro de dos caras, Sirena y Paloma, últimas creaciones del artista.

Autorretrato

Adan y Eva

En la exposición se podrán admirar además ocho fotomurales del artista Gerardo Suter, donde se muestran a Soriano -apodado El Mozart de la Pintura por su precocidad- trabajando, así como el ambiente de las fundiciones.

Pez

Palmera

Pajaro sobre la ola

María Asúnsolo en Rosa

Paloma

Luna

Cabeza de Niña

Al acto asistirán Marek Keller, presidente de la Fundación Juan Soriano, y la escritora y periodista Elena Poniatowska, quien era muy amiga de Soriano, entre otras personas.

Con los ojos de Juan Soriano

juan soriano

El cielo estrellado de Van Gogh

2009-02-12T17:34:00.000-08:00

Noche estrellada sobre el Rodano

ÁMSTERDAM, HOLANDA.- Vincent Van Gogh fue el pintor de la luz y el color, pero muchas de sus obras maestras versan sobre el atardecer y la noche, unos momentos místicos para él y que ahora se intentan recrear en una exposición en Amsterdam.

En Van Gogh y los colores de la noche se podrán contemplar entre el 13 de febrero y el 7 de junio en el museo Van Gogh 26 pinturas, nueve dibujos y cinco cartas del pintor, pertenecientes a una colección particular y una decena de museos, entre ellos el de Orsay de París y el Thyssen de Madrid.

Esta es la primera retrospectiva de las composiciones vespertinas y nocturnas de Van Gogh, que nunca antes habían sido estudiadas en grupo y aún menos unificadas en un catálogo.

El atardecer y la noche, que Van Gogh pintó desde sus inicios, permiten ver la evolución de su arte, desde sus años holandeses en los que utilizaba tonos más marrones y grises hasta la explosión de colores de sus pinturas posteriores.

El sembrador

"A menudo me parece que la noche es mucho más viva y rica en colores que el día" , escribió en una carta a su hermano Theo en septiembre de 1888.

En la exposición, que entre septiembre y enero pasados pudo ser admirada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) , figuran iconos como Los comedores de patatas que pintó en 1885 y que recoge influencias de los maestros antiguos como Rembrandt, la Noche estrellada sobre el Ródano (1888) y la Noche estrellada (1889) .

Precisamente este último cuadro, que no se ha expuesto en la capital holandesa desde 1990, es uno de los principales atractivos de la muestra, la primera que organizan conjuntamente el museo Van Gogh y el MoMa, que lo ha prestado para la ocasión.

En el museo holandés las obras se exponen entre luces tenues y sobre unas paredes de vivos colores azul-verdoso o azul-violeta, que según su director, Axel Rüger, prestan más intimidad y "añaden drama y brillo" a los cuadros.

Comedores de papas

Los organizadores incluso han alejado los carteles explicativos para que no distraigan al visitante de la contemplación de los lienzos.

"Las obras son tan importantes e impresionantes que queremos que el público sienta que está solo frente a ellas", declaró a Efe el comisario, Sjraar van Heugten, quien dijo esperar 600 mil visitantes de aquí a junio, unos 150 mil más de lo normal en este periodo.

Van Gogh veía en el atardecer y la noche momentos de consuelo, de reflexión, creatividad y poesía en los que experimentaba un "sentimiento casi religioso" que intentaba reflejar en sus lienzos, según Van Heugten.

Pero también era consciente de la soledad y los peligros de la vida disoluta en la noche, plasmados en cuadros como Salón de Baile en Arles y Café de noche.

Noche Estrellada

Van Heugten se lamentó de que este cuadro, que sí fue expuesto en el MoMa, no esté en Amsterdam, porque la Fundación de la Universidad de Yale, su propietaria, no quiso prescindir más tiempo de una de las obras maestras de su colección.

En contrapartida, "por primera vez en décadas" el público puede admirar una al lado de la otra las dos versiones de El sembrador realizadas en noviembre de 1888, la más pequeña de las cuales pertenece al museo Van Gogh y la otra a la Fundación Bürhle de Zurich.

La exposición se divide en cuatro secciones: "Paisajes durante la puesta de sol" , con sus primeros paisajes al anochecer (entre 1883 y 1884) y obras de pintores como Camille Corot y Jean FranÇois Millet a los que admiró y que influyeron en él.

Cafe en Arles

"Vida campesina" recoge los bosquejos de los campesinos de Nuenen (Holanda) , donde Van Gogh crearía su primera obra maestra, "Los comedores de patatas" , en la que dominan los claroscuros y se ve a unos campesinos cenando, en una reminiscencia de la sagrada familia de Rembrandt.

"La voz del trigo: un nocturno" refleja la fascinación de Van Gogh con la vida de los campesinos y su vinculación con los ciclos de la naturaleza, mientras que en "Poesía de la noche" se evocan las asociaciones poéticas con el atardecer y la noche.

En esta sección figuran las dos "noches estrelladas" y el retrato del pintor Eugène Boch, al que Van Gogh presenta como un poeta, con un cielo estrellado de fondo que simboliza la eternidad.

vincent van gogh

El Glamour surrealista de David LaChapelle en México

2009-02-12T10:21:00.000-08:00

David LaChapelle es un fotógrafo estadounidense nacido en 1969. Durante su carrera ha conocido a artistas como Andy Warhol con quien trabajó en la revista Interview. Ha trabajado para revistas como Vogue, Rolling Stone, i-D, Vibe, Interview, The Face y GQ y se ha hecho cargo de campañas publicitarias para marcas como L’Oreal, Iceberg, MTV, Ecko, Diesel Jeans, Sirius, Ford, Sky Vodka y la campaña Got Milk?.

LaChapelle ha fotografiado a muchas celebridades y ha dirigido videos musicales. Su estilo peculiar en donde mezcla el surrealismo con el glamour con tintes grotescos le ha dado un estilo bien definido y lo ha convertido en uno de los mejores fotógrafos contemporáneos.

MEXICO (AFP) — Imágenes saturadas de color con temáticas de cultura popular, guerra y religión se alinean en las paredes de piedra de un antiguo colegio jesuita en la primera exposición en Ciudad de México del fotógrafo estadounidense de culto David LaChapelle.

Este artista surrealista, que comenzó su carrera trabajando con el maestro del pop-art Andy Warhol, es célebre por sus imágenes de celebridades en inusuales puestas en escena, por sus numerosos videos de estética pop, así como por el documental sobre danza "Rize".

Mientras aumenta el impacto de la capital mexicana sobre el escenario del arte contemporáneo, el trabajo de LaChapelle se une al de algunos de los muralistas latinoamericanos más renombrados, como Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, ubicado en el centro histórico de la extensa ciudad.

"Es enormemente excitante para mí estar aquí en México. Estar en un museo con alguien que me inspiró tanto como Diego Rivera es increíble", dijo LaChapelle en una conferencia de prensa previa a la muestra de cuatro meses que se inaugura este martes.

"Marca su obra un nuevo estilo de hacer fotografia", señaló a la AFP la directora del museo, Paloma Porraz.

"Su estilo es totalmente distinto en relación al edificio pero hay que atraer al gran público", agregó.

LaChapelle señaló que se estaba tomando un descanso de su habitual trabajo con celebridades en Estados Unidos, tras realizar un video de la cantante Madonna, cuando fue invitado a exponer en México, en una muestra que reúne 64 de sus obras realizadas entre 1995 y 2008.

La exposición, titulada "Delirio de la razón", incluye imágenes que exploran la cultura de la celebridad y el consumo, así como personajes contemporáneos caracterizados con un estilo religioso renacentista, que podrían molestar a la influyente iglesia Católica en México.

"La idea de la religión organizada me interesa, y los fundamentalistas y la forma como ellos han pervertido esas ideas", dijo LaChapelle.

david-lachapelle

Inauguran exposición de Charles Darwin en Roma

2009-02-12T10:11:00.000-08:00

Roma, 12 de febrero.- Roma exhibe a partir de hoy "Darwin 1809-2009", la muestra más importante a nivel mundial sobre el científico inglés Charles Darwin, con ocasión del segundo centenario de su nacimiento.

La exposición, que estará abierta en el Palacio de Exposiciones romano hasta el 3 de mayo, se basa en la que fue puesta en marcha por el Museo Americano de Historia Natural de Nueva York en 2005, y recorre toda la biografía del naturalista, cuyas teorías siguen creando polémica 200 años más tarde.

Biografia de Darwin

Desde su juventud y sus relaciones familiares hasta la publicación de su famoso libro "El origen de las especies", la muestra repasa los momentos más importantes de la vida de Darwin.

Hay espacios dedicados a la cultura inglesa del momento y sus conflictos, al célebre viaje a bordo del buque "Beagle", que le llevó alrededor del mundo, a las dudas iniciales, a los primeros descubrimientos y al inicio de la idea de la evolución.

La muestra se centra también en la relación de Italia con las teorías darwinistas, con la presencia de varios premios y honores concedidos por instituciones de este país al científico, así como en los nuevos descubrimientos en torno a la evolución humana.

La evolución y Darwin

En algunas de las salas el visitante puede encontrar ejemplares y fósiles de los animales en los que Darwin se fijó al elaborar su teoría de la evolución (como armadillos, pingüinos o tortugas de las Galápagos), mientras que en otras se muestran escritos y objetos originales del científico.

Otras curiosidades de la muestra incluyen reconstrucciones del despacho de Darwin y del camino por el que habitualmente recorrió mientras cavilaba.

La versión italiana de la muestra ha sido concebida por el responsable de la división de invertebrados del Museo Americano de Historia Natural de Nueva York, Niles Eldredge, junto al experto en evolución humana Ian Tattersall y el profesor italiano de filosofía de la ciencia Telmo Pievani.

Darwin y las Islas Galapagos

Tras su paso por Roma, la exposición irá por Milán, donde estará entre los días 4 de junio y 25 de octubre, y por Bari (sur de Italia), donde permanecerá hasta marzo de 2009.

Roma celebrará también un congreso internacional entre el 3 y el 7 de marzo bajo el lema "Evolución biológica: hechos y teorías. Una valoración crítica 150 años después de El origen de las especies", organizado por la Pontificia Universidad Gregoriana. (Con información de EFE/MVC)

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evolucion
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Madame Tutli Putli

2009-02-08T16:22:00.000-08:00

Cortometraje de Animación bajo técnica stop-motion nominado para los Oscares 2008, dirigido por Chris Lavis y Maciek Szczerbowsk.

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oscar

Detienen al creador del cartel pop de Obama

2009-02-08T16:08:00.000-08:00

BOSTON (AP) - La policía de Boston dijo que el artista que se hizo famoso con sus carteles de Barack Obama con la leyenda "hope" (esperanza) fue detenido por pedido de las autoridades de Los Angeles.

Shepard Fairey llegó a Boston el viernes para su nueva exposición en el Instituto de Arte Contemporáneo.

El agente James Kenneally dijo que el artista era requerido en Los Angeles por pintar graffiti en propiedad privada.

Fairey pasó las últimas dos semanas en Boston, instalando su exposición y pintando una bandera de seis por 15 metros (20 por 50 pies) en un costado de la municipalidad, entre otras obras al aire libre, dijo el museo el sábado por la noche.

El museo añadió que Fairey fue liberado horas después de su arresto, pero las autoridades no lo confirmaron de inmediato.

El retrato de Obama por Fairey ha sido reproducido en miles de carteles. Es objeto de una disputa con The Associated Press por derechos de autor. Fairey alega que su uso de la foto de AP está protegida por el "uso imparcial", que admite excepciones a las leyes de derecho de autor.

Un abogado de California que representa a Fairey en el caso de derechos no respondió a un pedido de declaraciones por correo electrónico.

obama

Inaguran Museo a Dalí en Berlín

2009-02-08T15:47:00.000-08:00

Andrea Solano y EFE.- Los clásicos relojes derretidos ideados por el genio del arte surrealista Salvador Dalí tienen por fin un hogar permanente en la capital alemana, en un nuevo museo junto a la céntrica Plaza Postdamer.

“Dalí: la exposición” es una muestra itinerante que finalmente se hace de un espacio permanente de exhibición entre la oferta museística de Berlín.

La exhibición se inauguró el jueves y reúne más de 400 obras procedentes en su mayoría de colecciones privadas. Las creaciones del maestro catalán están distribuidas en dos pisos con 1.400 m².

Cruxificción de Cristo

El curador de la muestra, Carsten Kollmeier, dijo a la prensa que es un sueño poder contar con una ubicación definitiva en el centro de la ciudad para una exposición, en la que trabaja hace 10 años.

Según Kollmeier, a pesar de que no hubo ninguna relación entre el arte de Dalí y Berlín, la rica oferta cultural de la capital alemana la convierte en un excelente punto para sumergir a un mayor número de personas de todo el mundo en el universo surrealista de Dalí.

melancolia

Museo de sueños. Un piano blanco suspendido sobre el agua da la bienvenida al visitante al Museo de Dalí en Berlín. La muestra coincide con el vigésimo aniversario de la muerte del artista y exhibe una amplia compilación de dibujos, fotografías, libros y esculturas como Ángel surrealista (1984).

Galatea de las Esferas

Además se proyecta Un perro andaluz , pieza clásica del cine surrealista que Dalí rodó con el realizador catalán Luis Buñuel.

Presentación de pinturas de Dalí

Las exquisitas litografías creadas por Dalí para la edición parisina de Don Quijote (1957) y las castizas escenas de la ópera Carmen de Georges Bizet, dan cuenta de la complejidad de su obra, que fusiona intensidad con sutileza y profundidad con minimalismo.

Soft Construction with beans

Dalí habla de Federico García Lorca

Según Kollmeier, esta exposición permanente aspira a repasar los valores de la obra del maestro español desde las bucólicas piezas de El sombrero de tres picos (1959) hasta a las siniestras reproducciones de la crucifixión de Cristo.

“Gusten o no, estas son el tipo de obras que le definen” , explicó el curador, quien confía en que el proyecto actúe como punta del iceberg para atraer al espectador a la riqueza de la vasta producción de Dalí.

El Gran Masturbador

Cortometraje, Un perro andaluz, Dalí y Buñuel

El proyecto es financiado exclusivamente con patrocinio privado.

Nacido el 11 de mayo de 1904 en Figueres, Girona, Salvador Dalí es uno de los artistas representativos del surrealimo. Dicho movimiento artístico –fundado por el escritor francés André Breton en 1924– intenta sobrepasar la realidad con imágenes ilógicas e irracionales.

Las excéntricas configuraciones artísticas de Dalí, evocadas a través de la literatura, quedan reflejadas en las alegóricas visiones del infierno, el purgatorio y el paraíso de La divina comedia y las coloridas recreaciones de Alicia en el País de las Maravillas .

salvador-dali

CortoMetraje: Palabras, palabras, palabras

2009-02-08T15:39:00.000-08:00

Cortometraje animado de Michaela Pavlátová realizado en 1991

Michaela-Pavlátová

A 25 años sin Cortázar

2009-02-08T14:52:00.000-08:00

El Universal.-Con motivo de los 25 años de su muerte, la Casa de América de Madrid rendirá la próxima semana un homenaje a Julio Cortázar (1914-1984) que incluirá la lectura de relatos del escritor argentino por parte de personalidades de la cultura.
El autor de "Rayuela" falleció el 12 de febrero de 1984 en París y está enterrado en el cementerio de Montparnasse de la capital francesa.

Para evocar la figura de uno de los padres del llamado "boom" de la literatura latinoamericana, la Casa de América ha organizado para los próximos 9 y 10 de febrero un programa de actos que arrancan con la presentación el lunes de la película "Mentiras Piadosas", basada en el libro de Cortázar "La salud de los enfermos".

Rayuela, Capítulo 7 en voz de Cortázar

El filme, "ópera prima" del realizador argentino Diego Sabanés, está interpretado por Marilú Marini, Walter Quiroz y Claudio Tolcachir. Ya el martes, bajo el título de "Lectura de Cronopios por algunas famas", personalidades del mundo de la cultura participarán en la lectura de tres relatos hasta ahora inéditos del escritor argentino, "Never stop the Press", "Vialidad" y "Almuerzo", según informa la Casa de América en su página web.

Fragmento de El Perseguidor

Los relatos "comparten el espíritu juguetón y gamberro de 'Historias de cronopios y de famas', publicado originalmente el año 1962, informa la institución. Ese mismo día, el escritor peruano Fernando Iwasaki, el argentino Andrés Neuman y el colombiano Juan Gabriel Vásquez participarán en una conversación sobre el "Cortázar cuentista".

Cortázar habla de Rayuela, Entrevista en TVE,1977

El homenaje también incluye teatro, con el espectáculo de cuentacuentos "Cuentos desde la Rayuela", a cargo del Grupo de Arte Zaguán, y el estreno de la obra "Lejana. Diario de Alina Reyes", escrita y dirigida por José Sanchís Sinisterra. El dramaturgo español se basa en esta obra en uno de los cuentos más enigmáticos y desconcertantes del autor de "Rayuela", al tiempo que alude a una de sus obsesiones, el otro.

mzr

julio-cortazar
rayuela

El salvajismo de Tarsila do Amaral

2009-02-08T14:29:00.000-08:00

Tarsila do Amaral (Capivari, 1 de septiembre de 1886 - São Paulo, 17 de enero de 1973) fue una pintora brasileña.

Amaral fue la pintora mas representativa del modernismo brasileño. A lo largo de su carrera experimentó con el cubismo y el expresionismo y en algunos de sus lienzos plasma retratos netamente surrealistas. Se caracterizó por su pintura nativista y primitivista.

La Fundación Juan March acaba de inaugurar la primera exposición dedicada en España a Do Amaral (hasta el 3 de mayo). La muestra se centra en los años 20, años que median entre el descubrimiento de André Lothé y Fernand Léger y Juan Gris en la Ciudad de las Luces, hasta 1931, cuando la artista viaja a la URSS.

Antropofagia, 1929

Cerro de la Favela, 1924

La Negra, 1923

Palmeiras, 1925

Tarjeta Postal, 1929

tarsila-do-amaral

El arte kitsch de Jeff Koons

2009-02-06T19:11:00.000-08:00

Jeff Koons es un artista norteamericano que se caracteriza por sus instalaciones, esculturas, fotografías y pinturas de la corriente kitsch. Se le denomina kitsch al arte que surge de un estilo inferior a alguno existente, a una manifestación artística pretenciosa, exagerada o de mal gusto.

La palabra kitsch también surge de una palabra alemana que significa "barrer mugre de la calle", lo que se refería a los objetos de dudosa calidad estética obtenidos por los nuevos ricos para mantener un status social y económico. Casi siempre estos objetos eran copias de mala manufactura de estilos originales y que al mezclarlos con otros estilos daban un resultado ecléctico de mal gusto.

Actualmente se dice que el kitsch es un género que trata de aparecer sentimental, glamoroso, teatral o creativo, sin embargo es un gesto imitativo de las apariencias superficiales del arte. Se dice que el kitsch se basa en repetir formulas dejando de lado el sentido de creatividad y originalidad desplegado en el arte genuino.

Jeff Koons se ha convertido en el artista más representativo de este género.

Michael Jackson and Bubbles,1988

Puppy, 1997 a las afueras del museo Guggenheim en Bilbao, España

Potrack de la serie de fotografias Easy fun - Ethereal

Hanging Heart 2007, Gagosian Gallery, New York

Diamond Blue, Gagosian Gallery, New York

Balloon Flower Magenta and Blue

Tulips, Guggenheim, Bilbao

Rabbit, 1996

Balloon Dog, yellow

jeff-koons
kitsch

Los niños y Murillo

2009-02-06T18:46:00.000-08:00

Dos niños comiendo melón y uvas
Autor:Murillo
Fecha:1650-55
Museo:Neue Pinakothek (Munich)

Bartolomé Esteban Murillo es uno de los mayores representantes del barroco español. Nacido en 1617 pasa practicamente toda su vida en Sevilla. Al igual que la mayoría de los pintores barrocos sus lienzos tenían como principal objetivo los temas religiosos, sin embargo Murillo realizó una serie de cuadros en donde pintaba a niños de la calle en situaciones cotidianas, lienzos que le dieron a su trabajo un estilo jovial, fresco y alegre.

Invitación al juego de pelota a pala
Autor:Murillo
Fecha:1670 h.
Museo:Dulwich Picture Gallery

Niños comiendo pastel
Autor:Murillo
Fecha:1670-75
Museo:Alte Pinakothek (Munich)

Niños jugando a los dados
Autor:Murillo
Fecha:1665-75
Museo:Bayerisches Nationalmuseum (Munich)

Niño espulgándose
Autor:Murillo
Fecha:1645-50
Museo:Museo Nacional del Louvre

bartolome-esteban-murillo

La vida de Vincent Van Gogh

2008-07-20T17:37:00.000-07:00

Vincent Van Gogh (1853-1890) fue un destacado pintor holandés en el género del postimpresionismo.

Llegó a pintar 900 cuadros (27 de ellos autorretratos), 1.600 dibujos y escribió 800 cartas, 650 de ellas a su hermano Theo, el único que le comprendía.

Vincent nació en Zundert, Holanda y empezó a aficionarse a la pintura desde la escuela, en donde no era buen estudiante, pero durante toda su vida si se enorgullecía de ser un gran autodidacta.

Pese a su dedicación a los dibujos, muchos maestros de este arte le dijeron que nunca iba a ser un pintor profesional porque no sabía pintar.

Trabajó en galerías de arte en Londres, propiedad de algunos parientes suyos. De vuelta en Holanda, quiso ser sacerdote, y estudió teología. Fue enviado como misionero a las minas de Borinage en Bélgica en donde ayudó a la gente, y les dio todo lo que tenía. Fue aquí en donde comenzó a pintar y a vivir de cerca la tragedia humana.

Poco después marcha de nuevo a Londres en donde estuvo al frente de un hospicio para niños, pero resulta decepcionado de la religión y sobre todo de quienes se encuentran al frente de ella, ya que los considera hipócritas, así que decide alejarse de Londres y marcha a la Haya, en donde conoce a Sien.

Sien era una prostituta que rondaba las calles londinenses y Vincent al verla tan desamparada y necesitada, le pide que viva con él, y de ella contrae el sífilis y la gonorrea, lo que provoca que Vince termine hospitalizado. Sus padres se enojan mucho con él por mantener relaciones con una mujer de la calle.

Fue siempre un hombre solitario, de aspecto desaliñado y con la mirada hundida y perdida. Decía que solamente se sentía un ser humano lúcido cuando pintaba, ya que podía llegar a llorar cuando lo hacía.

En 1880 comenzó a pintar de forma más continua, y en 1886 se muda a París con su hermano Theo, en donde conoce a todos los artistas de la época, es decir, los llamados Impresionistas. En 1888 se traslada a Arles, en donde fundaría un taller con Paul Gauguin, pintor post impresionista y expresionista.

El débil estado de salud mental de Van Gogh provoca que una noche trate de atacar a Gauguin, y poco después se corte una oreja, la cual regala a una prostituta. Van Gogh sufría de crisis epilépticas, tenía ataques paranoides y esquizofrénicos, y estuvo recluido en hospitales para enfermos mentales de manera voluntaria.

Su aspecto desaliñado y depresivo alejaba de él cualquier prospecto amoroso. En el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence le es habilitada una habitación para que siga pintando. Aquí empezó una frenética vida artística en donde se inspiró en Rembrandt.

Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.

Finalmente, el 27 de julio de 1890 sale a caminar por el campo, se dispara con un arma de fuego en el pecho y regresa a su habitación para morir dos días después, dejando inacabado el cuadro llamado "Los Cuervos".

En su entierro todos los que le conocían trajeron flores amarillas para su tumba.

Aquí esta un video con las principales obras de Van Gogh, el cual está musicalizado por una canción que Don McLean escribió exclusivamente para este maravilloso artista.

Vincent-Van-Gogh

Remedios Varo

2008-07-20T17:36:00.002-07:00

Les Feuilles Mortes, 1956

Remedios Varo Uranga ( 1908 - 1963 ) es una pintora surrealista mexicana de origen español.

Nacida el 16 de diciembre de 1908 en Anglés, España, mostró desde pequeña una natural inclinación e interés por la pintura. Alentada por su padre ingresó en 1924, a la edad de 15 años, a la Academia de San Fernando en Madrid.

Presencia Inquietante, 1959

Al final de sus estudios, contrajo matrimonio con uno de sus compañeros de estudios, Gerardo Lizárraga, con quien parte a París, Francia, donde residirá durante un año. A su retorno en 1932, se establece en Barcelona, donde ejerce en compañía de su esposo el oficio de dibujante publicitario.

En 1935 se separa de su primer esposo, y hace conocimiento con el pintor Esteban Francés, quien la introduce al círculo surrealista de André Breton. Una vez familiarizada con el movimiento surrealista, se integra al grupo Logicofobista, que pretendía representar los estados mentales internos del alma, utilizando formas sugerentes de tales estados. Durante su colaboración con este grupo, Remedios Varo pinta L´Agent Double, obra que ya anticipa su estilo reconocido posteriormente.

Creación de las aves, 1958

Durante la guerra civil española, Remedios Varo opta sin dudar por el lado republicano. También durante este período y en buena medida gracias a su activo soporte a los antifascistas, conoce al poeta Benjamín Péret, con quien establece una relación amorosa, y parte por segunda vez a París. Ciudad donde residirá hasta la invasión nazi.

En 1941 la pintora y el poeta abandonan la Francia ocupada, y emigran a México, país donde gracias a la política del presidente Lázaro Cárdenas de acogida de refugiados políticos, son rápidamente naturalizados y autorizados a desarrollar una actividad laboral.

Nacer de nuevo, 1960

En 1947 Remedios se separa de Benjamín Péret, quien retorna al París ya liberado para entonces. Gracias a sus contactos anteriores y sus actividades en México, Remedios parte ese año a Venezuela, como integrante de una expedición científica del Instituto Francés de América Latina. Estando en Venezuela, además de su trabajo de ilustradora entomológica, la pintora pudo continuar enviando carteles publicitarios para Bayer, así como trabajar un corto lapso para el instituto de malariología venezolano.

En el año de 1949 retorna a México, donde continuará con su labor de ilustradora publicitaria. Hasta que en 1952 contrae segundas nupcias con el político austríaco Walter Gruen, con quien permanecerá hasta el final de sus días.

Ruptura, 1955

Fue Gruen quien convence a Remedios Varo de abandonar sus labores comerciales, para consacrarse totalmente a la pintura.

En 1955, la pintora presenta al público sus trabajos en una primera exposición colectiva, en la galería Diana de la Ciudad de México. Seguida al año siguiente de una exposición individual.

Taxi acuático, 1962

Durante su estancia en México, la pintora conoció personalmente a artistas como Frida Kahlo y Diego Rivera, pero estableció nexos de amistad más fuertes con otros intelectuales en el exilio, en particular la también pintora surrealista Leonora Carrington.

Remedios Varo fallece de un paro cardíaco el 8 de octubre de 1963 en la Ciudad de México.

Vampiros Vegetarianos, 1962

El trabajo de esta pintora siempre ha causado en mi fascinación e inquietud. Sus lienzos son un constante descubrimiento de personajes fantásticos, ciencia, sueños y magia. Cuando ves por primera vez un cuadro de Remedios Varo no puedes sentir indiferencia. Ver uno de sus cuadros es sumergirte en un mundo aparte lleno de simbolismos del inconciente.

Remedios-Varo
Surrealismo

Leonardo da Vinci

2008-07-20T17:36:00.001-07:00

Leonardo di Ser Piero da Vinci (Anchiano, Italia, 15 de abril de 1452 – Cloux, Francia, 2 de mayo de 1519), (que no se ha de confundir con Leonardo Vinci (1690-1730), músico italiano) fue un arquitecto, escultor, pintor, inventor e ingeniero, el hombre del renacimiento por excelencia.

Nació en las afueras de Florencia, en la pequeña localidad de Anchiano en 1452, aunque para otros nació en Vinci, de ahí su "apellido", antes de que se adoptaran las convenciones de nombres actualmente vigentes en Europa, por lo que a su nombre de pila se añadió el de su padre (Ser Piero) y la localidad de nacimiento siendo entonces "Leonardo di Ser Piero da Vinci".

Sin embargo, Leonardo acostumbraba firmar sus trabajos como Leonardo o Io, Leonardo (yo Leonardo), es decir, sin emplear el nombre de su padre, lo que induce a pensar que era hijo ilegítimo.

Mujer con armiño, 1483

Desde temprana edad se destacó en la pintura, la geometría, la mecánica y la música. Por diversas constancias documentales, podemos afirmar que llegó a preconcebir el avión, el tanque de guerra, el esnórquel de buceo, el paracaídas y un artefacto parecido al helicóptero.

Además hizo certeras observaciones sobre diversos restos de fósiles. A lo largo de su vida, Leonardo se mantuvo como vegetariano por razones éticas. Sus primeros bocetos eran de tal calidad que tan pronto como su padre los mostró al pintor Andrea del Verrocchio este tomó al joven de catorce años como aprendiz. Posteriormente Leonardo montó su propio taller como pintor independiente en Florencia.

Leonardo mantuvo su vida privada particularmente en reserva, yendo al extremo de escribir sus diarios utilizando una forma de encriptación básica (escribiendo especularmente, de manera que había que utilizar un espejo para poder leer sus escritos al derecho), no constituyendo ello un código propiamente tal, pero que bastaba para dificultar suficientemente la lectura de sus escritos. Afirmaba también tener una falta de interés en la relaciones físicas involucradas en la procreación humana.

Juan el Bautista, 1513

Leonardo es bien conocido por su obra pictórica, entre la que destacan La Gioconda (Mona Lisa), (actualmente en el museo del Louvre de París) y La última cena. Sin embargo, hasta nuestros días sólo han llegado 70 pinturas y ninguna de sus esculturas.

Sus detallados estudios de la anatomía, como por ejemplo el Hombre de Vitruvio, son quizá más impresionantes que sus trabajos pictóricos, al igual que sorprenden aún sus trabajos sobre ingeniería, los pájaros, el vuelo y otras áreas que suscitaron su insaciable curiosidad.

Sus elucubraciones sobre temas técnicos y científicos eran registrados por Leonardo con minuciosidad y en ellos se combinaba perfectamente el arte con la ciencia para representar de la mejor manera posible la materialización de sus ideas.

La Virgen, el niño y Santa Ana, 1519

Dotado de una aguda capacidad de observación, su aproximación a la ciencia nunca destacó por sus explicaciones teóricas ni por recurrir a experimentos; en cambio, para comprender los fenómenos que le interesaban los describía y dibujada hasta sus últimos detalles; planeando realizar una gran enciclopedia basada en detallados dibujos de todo lo conocido.

Leonardo nunca publicó o distribuyó los contenidos de sus manuscritos que permanecieron inéditos hasta el siglo XIX cuando pudieron conocerse sus contribuciones al desarrollo técnico y científico. Por esta razón L. Sprague de Camp le considera no como el primer ingeniero moderno, sino como el último de los ingenieros de la antigüedad, haciendo notar que tras la época de Leonardo se formalizó la publicación de los descubrimientos científicos.

La Ultima Cena, 1498

Sus contribuciones a otras artes, por ejemplo la escultura, y a ciencias como ingeniería, mecánica, física, biología, arquitectura, anatomía, geología y matemáticas fue decisiva. Considera a estas últimas como la llave de la naturaleza.

La Gioconda, 1519

Aunque su obra conocida en esta especialidad no está escrita con suficiente rigor ni los resultados obtenidos fueron decisivos en aquel momento, merece, sin embargo, ser considerado en la historia del pensamiento matemático universal por sus prodigiosas intuiciones, en particular, las de carácter geométrico. Algunas de ellas se plasmaron en realidades en los siglos posteriores.

Leonardo-da-Vinci

Subastarán pertenencias de la Callas

2008-07-20T17:34:00.000-07:00

Agencia EFE.-Admiradores y coleccionistas podrán comprar el próximo miércoles cartas de amor, fotos y objetos personales de María Callas, durante una subasta que se celebrará en Milán treinta años después de su muerte.

Los objetos a la venta están divididos en 330 lotes y entre ellos se halla una copa de plata de Tiffany con la dedicatoria "Nuestra generación será recordada por sus artistas", regalo del entonces presidente de Estados Unidos John F. Kennedy.

También hay cuadros de su apartamento de París y de la casa que compartió con su primer marido, el italiano Giovanni Battista Meneghini, en el Lago de Garda (en el norte de Italia) y mensajes de admiradores.

Entre esos mensajes a la que fue apodada como La Divina, figuran los del compositor y director de orquesta estadounidense Leonard Bernstein, en los que le llamaba My private soprano (Mi soprano privada) o Cara Divina (Querida Divina).

A esos objetos se unen miles de fotografías, entre ellas la que se tomó en noviembre de 1976 en París junto a Bernstein, con la dedicatoria "For my beloved Maria from her almost lover, Lenny B." (Para mi amada María de su casi amante).

Entre los platos fuertes de la subasta figuran las más de sesenta cartas de amor que la diva de la lírica escribió cuando tenía 23 años a Meneghini, treinta años mayor que ella, y que la encaminó a la fama."¡Estimado Amor! ¡Se acerca el día en el que vaya a encontrarte! ¿Me quieres?, ¡Soy tuya!" es una de las frases que se puede leer en una de esas cartas dirigidas a Meneghini, cuando La Divina era una chica aún desconocida y con problemas de sobrepeso.

María se casó con Meneghini en 1949, que hasta ese momento había sido su representante."Todo mi amor y todos mis pensamientos son para ti" , se lee en una postal que la joven envió a su marido desde Sudamérica.El 17 de junio de 1949, María escribe desde Buenos Aires: "Te escribo hoy, día de los grandes ensayos y de la gran lección que quiero dar a todos".

Este grupo de cartas que testimonian el profundo sentimiento de María hacia su primer marido, antes de conocer a Aristóteles Onassis, se ofrecerá en la subasta en conjunto y su valor estimado es de 50 mil a 70 mil euros.Todos esos objetos han sido expuestos desde el 9 de septiembre en Villa Torrigiani, en Lucca (en el centro de Italia), dentro de una de las varias exposiciones dedicadas a María Callas con motivo del treinta aniversario de su muerte, acaecida el 16 de septiembre de 1977.

Maria Anna Cecilia Sophia Kalogeropoulos (Nueva York, 2 de diciembre de 1923- París, 16 de septiembre de 1977), más conocida por el nombre artístico de Maria Callas fue una gran mezzo-soprano griega, y es considerada como la más famosa cantante de ópera del periodo de posguerra.

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Tina Modotti

2008-07-20T17:33:00.000-07:00

Wikipedia.-Assunta Adelaide Luigia Modotti (Udine, 17 de agosto de 1896 - Ciudad de México, 5 de enero de 1942. Fue una famosa fotógrafa italiana.

A los 17 años emigró a Estados Unidos con su familia. Trabajó en Hollywood. En 1921 conoció a Edward Weston y en 1922 llegaron a México, donde conoció e hizo íntima amistad con Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Blanca Luz Brum y Frida Kahlo. Se hizo miembro del Partido Comunista Mexicano en 1927.

Apoyó activamente a la lucha de Augusto C. Sandino y ayudó a fundar el primer comité antifascista italiano. En 1928 conoce a Julio Antonio Mella, dirigente estudiantil cubano, durante la ejecución de Sacco y Vanzetti. Más tarde ella sería testigo del asesinato de Mella. En 1930, es acusada de conspirar para asesinar a Pascual Ortiz Rubio, presidente de México en ese entonces, por lo que fue expulsada del país.

Llega a Alemania a mediados de 1930, viaja a la Unión Soviética donde se reencuentra con Vittorio Vidali, a quien había conocido en México. Participó en el Socorro Rojo Internacional. En 1934 parte hacia España. Después de la Guerra Civil de 1936, se alista en el quinto regimiento y trabaja en las Brigadas Internacionales, con el nombre de María hasta el fin de la guerra.

En 1939, regresa como asilada a México, donde continúa su actividad política, a través de la Alianza Antifascista Giuseppe Garibaldi. En 1940, el presidente Lázaro Cárdenas anula su expulsión. Muere de un ataque cardiaco el 5 de enero de 1942.

Junto con Weston, fue mentora del fotógrafo mexicano Manuel Álvarez Bravo.

Tina-Modotti

Exposición sobre el amor

2008-07-20T17:32:00.001-07:00

Durero

El Universal.-La representación artística del amor en los últimos 500 años, a través de las obras de Pierre-Auguste Renoir, Auguste Rodin, Rufino Tamayo, El Greco y Jean-Baptiste Carpeaux, entre otros, será exhibida a partir del 7 de diciembre en el Museo Soumaya dentro de la exposición El Amor hasta la Locura.

Apolo y Dafne

En esta muestra, compuesta de 180 piezas, lo mismo conviven personajes reales que mitológicos, por lo que en una misma sala puede encontrarse a Adán, Eva y Eros que un retrato de Rodin. La pintura y escultura está acompañada de diversos objetos, por lo que el concepto de cortejo, seducción y éxtasis son revelados en relicarios, moda, textiles y cromos.

Rodin

Una carta de amor escrita por Porfirio Díaz a su esposa Delfina Ortega, así como otra escrita por un médico a Maximiliano, donde le comenta que la locura de Carlota es por culpa del amor, también forman parte de la muestra.

Para el curador de la exposición, Héctor Palhares Meza, se trata de dar una visión integral del amor, donde lo erótico se une con lo espiritual, hecho que ha estado separado en los últimos años, pero que en siglos pasados estuvieron unidos.

Renoir

El objetivo, dijo, es que el público pueda encontrar un diálogo entre el erotismo y la mística en el lenguaje amoroso.

Aunque la mayoría de las piezas provienen de la colección del propio museo, algunos otros recintos como el Museo del Estanquillo, el Museo Nacional de Arte, el Centro de Estudios de Historia de México Carso y de la Fundación Miguel Alemán, prestaron obra para esta exhibición.

Renoir

Entre las piezas que se presentarán por primera vez al público se encuentran Paolo y Francesca de Ingres, uno de los artistas franceses de la corte napoleónica, que marcó el tránsito del Neoclásico al Romanticismo. En tanto del escultor florentino Battiglia, se mostrará Apolo y Dafne, un mármol cuyos detalles refieren a la metamorfosis de la ninfa en árbol de laurel.

Ingres

También se podrán apreciar retratos de Lizst, Beethoven y Verdi, entre otros, que engañan el ojo del espectador con imágenes eróticas que conforman su rostro.

En conferencia de prensa, donde participaron Soumaya Slim, vicepresidenta del museo y los sacerdotes y asesores de la muestra José de Jesús Aguilar y Philippe de la Rosiera, Héctor Plahares destacó que a pesar del contenido erótico de la exhibición, ésta fue pensada para todo público, incluso para niños.

Ingres

Como parte de la muestra se realizarán en 2008 los seminarios “María Magdalena”, “Reliquias” y “Erotismo”, así como representaciones dramatizadas en torno del amor, los días viernes y sábados a las seis de la tarde, hasta la conclusión de la misma en mayo del próximo año.

amor
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ingres
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Hiperrealismo

2008-07-20T17:31:00.000-07:00

Wikipedia.-El hiperrealismo es una tendencia radical de la pintura realista surgida en Estados Unidos a finales de los años 60 del siglo XX que propone reproducir la realidad con más fidelidad y objetividad que la fotografía. A veces se confunde con el Fotorrealismo que es menos radical.

El hiperrealismo tiene un origen en la tradición pictórica estadounidense, claramente favorable a la literalidad del trampantojo, como muestran los cuadros de finales del siglo XIX de William Harnett o John Haberle. En la década de los 1920, los pintores del precisionismo ya trabajaron con la ayuda de fotografías fielmente reproducidas (como en el caso de Charles Sheeler, pintor y fotógrafo a la vez).

Pero es innegable que el arte pop sigue siendo el precursor inmediato del hiperrealismo, pues toma la iconografía de lo cotidiano, se mantiene fiel a la distancia de su enfoque y produce las mismas imágenes neutras y estáticas.

Los fotorrealistas nunca se constituyeron en grupo, pero sí hicieron exposiciones que los presentaron como un estilo(: La Imagen fotográfica y 22 Realistas, ambas en Nueva York, a mediados de los años sesenta. En esa época la abstracción era la tendencia dominante y el realismo estaba mal visto; se consideraba un arte que copiaba de fotografías o de la realidad y sin ningún interés.

Sin embargo, artistas como Chuck Close, Malcolm Morley o Richard Estes, desarrollaron técnicas totalmente nuevas de representación de la realidad, consiguiendo resultados a veces asombrosos.

Chuck Close utiliza la fotografía como medio para hacer sus retratos, que se apartan totalmente del retrato tradicional y se acercan más hacia el cartelístico y sugestivo principio cinematográfico del primer plano en superpantalla, hacia la no-distancia de la técnica de la instantáneas y hacia el gesto objetivador de las fotografías clínicas y policiales .

En su obra trata problemas como la percepción del espectador y la focalidad. Close no parte de la realidad sino que la aborda indirectamente a través de la fotografía que proyecta sobre el lienzo.

Como todos los fotorrealistas, no hay huellas de pinceladas y el artista parece estar ausente; los cuadros se cubren con una fina capa de pintura, aplicada con pistola y pincel, siendo raspada si es necesario, con una cuchilla para que no quede ningún relieve, ninguna materia.

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50 años de la muerte de Diego Rivera

2008-07-20T17:30:00.000-07:00

Notimex
El Universal
Ciudad de México
Como un erudito, un curioso insaciable, un hombre que recibió constantes criticas por defender sus ideas, amigos, familiares y autoridades recordaron hoy a uno de lo pintores mexicanos más importantes del siglo XX en México, Diego Rivera (1886-1957), a 50 años de sus muerte.

Previo a la ceremonia realizada en la Rotonda de las Personas Ilustres del Panteón Civil de Dolores, lugar donde descansan los restos del laureado muralista, Guadalupe Rivera Marín, hija del artista, afirmó que a 50 años de su desaparición su padre es reconocido en 100 por ciento, pues los mexicanos lo admiran y lo consideran una "manifestación de la Revolución Mexicana".

Aseguró que la obra de su padre está muy bien resguardada en México, "se conserva como un joya y agradezco al gobierno actual por el empeño e interés que han puesto en revalorar su obra", dijo.

En la ceremonia, Rivera Marín, hija del muralista con Lupe Marín, recordó que su padre fue un defensor del pueblo, un luchador social que se ocupo por llevar a los muros las imágenes de la gente pobre, de obreros y campesinos que han dado su vida por el desarrollo de esta nación.

"Por eso fue criticado y por eso se le ha querido ignorar, porque se le llama comunista para hablar mal de él, para negarlo. No fue un comunista, sino un mexicano socialista, un mexicano que amó a su pueblo y que dio su vida por él, basta ver los murales", anotó.

Refirió que en ese contexto, hace 50 años, sobre el féretro que guardaba su cuerpo se quiso colocar la bandera comunista y ella lo impidió.Al respecto, en entrevista señaló que "quisieron hacer de él una figura, un héroe del comunismo y no lo permití, porque mi padre no fue stalinista, incluso José Stalin lo mandó a matar en dos ocasiones y eso está comprobado" en investigaciones históricas.

"En mi calidad de hija, era indigno que un partido hiciera bandera de un hombre, porque era un hombre de la nación, del pueblo más no de un partido", subrayó.En el acto, dijo que el 24 de noviembre de 1957, a las 11 de la noche, el artista plástico dio su último suspiro en compañía de Emma Hurtado, que entonces era su esposa, y ella misma, por lo que una opción era cremar sus restos y colocar las cenizas junto a las de la pintora Frida Kahlo en el Museo Anahuacalli.

Otra era llevarlos a la entonces llamada Rotonda de los Hombres Ilustres, para lo que recibió el apoyo del gobierno del presidente Adolfo Ruiz Cortines.Y llegó a la Rotonda porque "es un lugar que representa lo que México ha sido. Este sitio es el resumen de nuestra historia, aquí están los hombres de talento para destacar a México como lo que es: un gran país", puntualizó.

Por su parte, Ricardo Calderón, subdirector general del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL), recordó a Rivera como un símbolo de la pintura latinoamericana, hombre de izquiera, personaje polémico y amigo del ruso León Trotsky.Mencionó que desde pequeño Rivera demostró cualidades para el dibujo, por lo que acudió a tomar clases a la Escuela Nacional de Bellas Artes, hoy Academia de San Carlos.

"Fue un hombre que revolucionó el arte pictórico a través de murales, obra de caballete y dibujos, un magnifico exponente de la pintura mexicana", aseveró.Dijo que fue en México donde forjó sus trabajos comprometidos con el arte mexicano, "fue en este lugar en donde se convirtió en un verdadera leyenda", subrayó.

Resaltó que museos como el Estudio Diego Rivera, Anahucalli, Nacional de Arte, Bellas Artes o lugares como el Estadio Olímpico de Ciudad Universitaria y el Cárcamo de Chapultepec, entre otros, son muestra clara de sus aportaciones la arte mexicano e internacional.

Tras la ceremonia, Guadalupe Rivera Marín y Ricardo Calderón develaron una placa conmemorativa al cincuentenario de la muerte del pintor, efeméride por la cual a lo largo del presente año se ha organizado un Homenaje Nacional.Minutos después guardaron un minuto de silencio y familiares y amigos montaron enseguida las respectivas guardias de honor.

Diego-Rivera

La Ultima Cena en Internet

2008-07-20T17:29:00.002-07:00

AP.- Usted no necesita ir a Milán a ver La última cena, la obra maestra de Leonardo Da Vinci. Lo único que necesita es una conexión con la internet.Desde el sábado, las autoridades colocaron en la internet una imagen de La última cena de 16 mil millones de pixeles, mil 600 veces más nítida que las imágenes tomadas con una cámara digital de 10 millones de pixeles.

La alta resolución permitirá a los expertos examinar los detalles de la pintura del siglo XV que de otra manera no podrían ver, incluyendo esbozos que realizó Leonardo Da Vinci antes de pintar el cuadro.Hace posible también que las personas puedan ver los detalles como si estuvieran a unos pocos centímetros de la obra artística, a diferencia de las fotografías comunes, que suelen perder su nitidez cuando el ojo humano se acerca a ellas, expresó el curador Alberto Artioli.

“Es posible ver cómo Leonardo hizo transparentes las copas, algo que no se ve de otra manera”, manifestó Artioli. “También es posible notar el estado de degradación de la pintura”.Además de permitirle a los expertos y amantes del arte estudiar la pintura desde sus casas, Artioli manifestó que el proyecto ofrece un documento histórico de cómo luce la pintura en el 2007, que será valioso para futuras generaciones de historiadores de arte.

El trabajo, en la Iglesia de Santa María de la Gracia de Milán, fue restaurado y el proyecto para revertir los daños de medio milenio terminó en 1999.Leonardo pintó La última cena en seco, así es que la pintura es más delicada.

En los últimos años se han implementado más medidas para proteger el cuadro, lo que ha dificultado las visitas. Un total de 25 personas pueden ingresar cada 15 minutos a ver la pintura, y en todo el año la cantidad asciende a 320 mil visitantes.

Los visitantes tienen además que pasar por un sistema de filtración para ayudar a reducir la exposición de la obra de arte al polvo y otros contaminantes.“La demanda es tres o cuatro veces mayor, pero no podemos satisfacerla por los esfuerzos de preservar la pintura”, dijo Artioli.

Si quieres ver la pintura, este es el link

Leonardo-da-vinci
La-ultima-cenaL

Encuentran cuadro de Tamayo en la basura

2008-07-20T17:29:00.001-07:00

AP.-Una pintura del maestro mexicano Rufino Tamayo, robada hace más de 20 años y hallada entre la basura de una calle de Nueva York, podría rematarse hasta por un millón de dólares en una próxima subasta de la casa Sotheby's.

Elizabeth Gibson no sabía nada sobre la colorida obra que descubrió hace cuatro años en su caminata matutina de rutina en el noroeste de Manhattan. Sin embargo, se la llevó a casa porque “tenía cierto poder extraño”.“No sé nada de arte moderno, pero no me pareció correcto que una pieza de arte sea desechada de ese modo”, dijo Gibson a la casa de subastas Sotheby's.

Resultó ser la obra de Tamayo de 1970 Tres personajes, robada hace más de 20 años.
Gibson dijo que conoció su valor al encontrar en Internet el sitio Antiques Roadshow FYI, del programa de televisión sobre arte y antigüedades de la cadena PBS Antiques Roadshow.

El experto de Sotheby's August Uribe había colocado el cuadro allí después del robo.
Sotheby's señaló que Tres personajes es un trabajo importante que representa el período maduro de Rufino, quien murió en 1991 a los 91 años.La obra le fue devuelta a los dueños originales, que prefieren mantenerse en el anonimato. Según el New York Times, la pareja pagó 55 mil dólares por el cuadro.

Sotheby's calcula que podrá venderla el 20 de noviembre por hasta un millón de dólares en su subasta de Arte Latinoamericano.

Virus of Faith

2008-07-20T17:28:00.001-07:00

Otro documental más del científico Richard Dawkins en donde cuestiona la religión y su influencia en las personas, y el papel que ha jugado la ciencia frente a los fenómenos religiosos y espirituales.Muy interesante. Si te perdiste la primera entrega llamada The God Delusion, da click aqui.

Virus Of Faith

La Ilusión de Dios

2008-07-20T17:27:00.000-07:00

Este es un documental de Richard Dawkins en donde realiza un recorrido por los principales lugares y centros de las religiones judeo cristianas, y va analizando la diferencia entre las teorías científicas y las teorías basadas en la fe. Bastante interesante, digno de verse para los creyentes y para los que no.

Documental

Loose Change, la verdad sobre el 9/11

2008-07-20T17:26:00.001-07:00

Loose Change es un documental dirigido por Dylan Avery, un joven de tan sólo 23 años de edad. En el 2002, unos amigos y el comenzaron a crear un guión sobre los ataques terroristas del 11 de septiembre del 2001. Al principio, crearon una historia de ficción en donde relataban que los ataques habían sido planeados por el mismo gobierno, premisa que con el tiempo y las investigaciones que hicieron para la película, resultó estar muy lejos de la ficción.

A partir del 2003,comienzan a elaborar la película con un mínimo de presupuesto, conviertiéndose en la actualidad en una evidencia clara y detallada de las incoherencias y mentiras que el gobierno norteamericano dio a conocer en relación con los atentados.

Este documental claro y conciso nos explica que los ataques más difundidos de la historia y de los cuales resultaron más de 3000 personas muertas, fueron definitivamente una conspiración del gobierno en contra de su propio pueblo.

La película tiene subtitulos en español.

Oliviero Toscani

2008-07-20T17:25:00.000-07:00

Oliviero Toscani (n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman.

Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

Uniforme de soldado muerto en guerra

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

Este año, Toscani presentó la campaña publicitaria de la marca Nolita en la que retrató a una chica anorexica, como crítica en contra de las marcas que fomentan en las adolescentes los desordenes alimenticios.

Rostros de personas muertas por el SIDA

Fuente: Wikipedia

The God who wasn't there

2008-07-20T17:24:00.001-07:00

Este es un documental independiente bastante polémico escrito y dirigido por Brian Flemming en el cual cuestiona la existencia de Jesús y examina la evidencia que apoya la teoría de que el Jesús histórico no existió. Es un documental interesante en el que podemos ver desde otra perspectiva la historia del cristianismo. No pretendo causar revuelo o animadversión en esta página. Trato de exponer documentales que han causado polémica y controversia y de los cuales la gente está hablando.

Documental

Zeitgeist

2008-07-20T17:22:00.002-07:00

Zeitgeist es un documental que ha venido a revolucionar conceptos tan polémicos como el cristianismo, los ataques terroristas del 11 de septiembre, y el manejo de la Reserva Federal de Estados Unidos.

Nos muestra que durante siglos hemos vivido bajo unas creencias que quizá no son tan ciertas como creíamos. Zeitgeist nos invita a cuestionarnos y a buscar más allá de lo que las instituciones, los medios y el gobierno nos enseña. Conseguí una copia con subtitulos en español para que esta película pueda llegar a más personas. Atrévete a pensar, a cuestionar y a liberarte de creencias que detienen nuestro crecimiento como seres humanos.

No pretendo que la gente deje a lado sus creencias o sus ideologías con respecto a estos temas, solo intento que la gente sea más crítica en lo que escucha, y tenga la iniciativa de buscar información y de cuestionar todo lo que se les impone a veces por herencia, costumbre o manipulación.

Zeitgeist, The Movie

Descubren colmillos de mastodonte

2008-07-20T17:22:00.001-07:00

Un grupo formado por paleontólogos griegos y holandeses descubrieron en el norte de Grecia los colmillos más largos que se conocen hasta la fecha, de cinco metros de longitud y tres millones de años de antigüedad, pertenecientes a un mastodonte.
Según informó hoy el vespertino ateniense "Kathimerini" , los científicos estiman que el descubrimiento "es de una importancia trascendental para los paleontólogos a nivel mundial".

Los colmillos son los más largos encontrados jamás hasta ahora y superan el récord del Libro Guiness, que tiene registrados otros de 4.39 metros de longitud.

La especie de mastodonte al que pertenecen los gigantescos colmillos se denomina "mammut borsoni" y sus restos fueron encontrados durante excavaciones realizadas en la localidad septentrional de Milias, cerca de Grevena.

La longitud de los colmillos, así como la composición y tamaño de las mandíbulas, indican que se trata de un macho, declaró la jefa de las excavaciones, Evangelia Tsoukala, catedrática de la Universidad de Salónica.

Se calcula que el animal prehistórico pereció cuando contaba entre 25 y 30 años de edad -aunque la media de vida de estos animales era de unos 55 años-, tenía una estatura de unos 3.5 metros y pesaría unas seis toneladas.

Descubrimientos paleontológicos similares de la época se guardan en el Museo de Historia Natural de Grevena.

Fuente: El Universal

La magia del mausoleo del emperador chino

2008-07-20T17:19:00.000-07:00

Arqueólogos chinos confirmaron, tras cinco años de investigación, la existencia de una misteriosa construcción de 30 metros de altura sepultada en el vasto mausoleo del primer emperador chino, escoltado por los célebres guerreros de terracota.

Según informó hoy la agencia estatal, Xinhua, la edificación está rodeada por muros escalonados y podría haber servido para que "el alma del emperador pasara a mejor vida".

Desde el año 2000, los arqueólogos han utilizado tecnología sensorial remota para estudiar la estructura interna del mausoleo, cuya excavación está suspendida desde hace años debido a que los medios utilizados en China no garantizan la conservación de lo que se descubra.

La recién hallada construcción está sepultada sobre la tumba principal y cada muro cuenta con nueve escalones, explicó Duan Qingbo, investigador del Instituto de Arqueología de Shaanxi, provincia norteña donde está ubicada Xian, la ciudad que acoge al mausoleo del primer emperador.

Qin Shihuang (221-206 a.C.) comenzó a reinar con sólo 13 años, fue el primer emperador que consiguió unificar el país y estableció su capital cerca de Xian, donde en 1974 un campesino descubrió los guerreros de terracota.

Hasta ahora se han desenterrado sólo un millar de los 8 mil guerreros que, según los expertos, escoltaban la tumba.

Las investigaciones realizadas hasta ahora estiman que el mausoleo tiene 2.13 kilómetros cuadrados de superficie y, junto a otras 181 tumbas extendidas por la zona, cubre una superficie total de 60 kilómetros cuadrados.

Unos 720 mil obreros trabajaron durante 38 años para construir esta monumento funerario que, según la leyenda, esconde un vasto palacio subterráneo con ríos de mercurio y techos de perlas y diamantes que representan las estrellas y el cielo.

UNAM, Patrimonio Cultural de la Humanidad

2008-07-20T17:15:00.000-07:00

El Campus Central de Ciudad Universitaria de la UNAM es ya Patrimonio Cultural de la Humanidad.
La inscripción de Ciudad Universitaria dentro de la lista del Patrimonio Mundial de la UNESCO se logró hoy, durante los trabajos que ese organismo internacional lleva a cabo en Nueva Zelanda, informó la misma institución a través de un comunicado.

Declarada recientemente Monumento Artístico de la Nación, el 18 de julio de 2005, la Ciudad Universitaria logra ahora la máxima categoría a nivel mundial después de casi cinco años de gestiones realizadas por la UNAM tanto en el ámbito nacional como internacional.

Con este título, la Ciudad Universitaria de México forma parte del selecto grupo de las universidades del mundo que son consideradas Patrimonio Cultural de la Humanidad, junto con la de Alcalá de Henares, en España, y la Universidad Central de Venezuela, en Caracas.

La categoría alcanzada incluye el primer circuito universitario inaugurado en 1952 y sus más de cincuenta edificios dentro de una Zona Núcleo de 176.5 hectáreas, que significan el 25% de las 730 totales del Campus Universitario.

Como límites de esta área se tiene: hacia el Poniente el Estadio Olímpico; al Sur los frontones y la zona deportiva; al Oriente la Facultad de Medicina, y al Norte los edificios de las facultades de Filosofía y Letras, Derecho, Economía y Odontología.

La Lista, iniciada en 1978 por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura UNESCO, contaba con un total de 830 bienes hasta mayo de 2007, divididos en tres grupos: 644 culturales, 162 naturales y veinticuatro mixtos.

Únicamente ocho de todos los anteriores corresponden a bienes Patrimoniales de la Modernidad del siglo XX, de los cuales en México se localizan La Casa Estudio de Luis Barragán en Tacubaya y la Ciudad Universitaria de la UNAM, ambas en el Distrito Federal.

Durante el largo proceso de evaluación se sumó el apoyo del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la Dirección de Patrimonio Mundial, el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), la Secretaría de Educación Pública (SEP), la Comisión Mexicana de Cooperación con la UNESCO (Conalmex), el Comité Internacional de Sitios y Monumentos (Icomos), hasta llegar a obtener el apoyo del Centro de Patrimonio Mundial de la UNESCO con sede en París, Francia.

La pintura más cara

2008-07-20T17:14:00.001-07:00

Una pintura de Mark Rothko se convirtió en la obra de arte contemporáneo más cara vendida en una subasta de Sotheby's en 72.8 millones de dólares, en una sesión en la que otro cuadro de Francis Bacon se adjudicó por 53 millones.

La pintura abstracta titulada "Centro Blanco (Amarillo, Rosa y Lavanda sobre Rosa)" , y que pertenecía al magnate David Rockefeller, salió a remate la noche de este martes con un precio estimado de 40 millones de dólares y como se esperaba, superó con creces esta cifra.

La obra fechada en 1950 fue adquirida por un postor anónimo vía telefónica.

El precio pagado supone un nuevo récord para el artista -hasta ahora en 22.4 millones de dólares-, además de pasar a ser la obra de arte realizada después de la II Guerra Mundial vendida más cara en una subasta.

El anterior récord para una obra de arte contemporáneo vendida en una subasta, de 27.1 millones de dólares, lo fijó en noviembre pasado el artista estadunidense Willem de Kooning.

Según señaló Tobías Meyer, responsable del departamento de arte contemporáneo de Sotheby's, "cada gran artista tiene una obra por la que es reconocido, y en el caso de Rothko, es ésta" .

La pintura, que nunca había sido subastada, fue comprada por el filántropo estadunidense en 1960 por ocho mil 500 dólares y estaba colgada en su oficina en el céntrico edificio Rockefeller Center de Manhattan.

El segundo récord de la noche fue para Francis Bacon por su obra "Estudio del Papa Inocente X" (1962) , una de las pinturas del artista británico inspiradas en el retrato del Papa realizado por el maestro español Diego Velázquez en 1650.

La obra se vendió en 52.6 millones de dólares, muy por encima de su anterior récord de 27.6 millones de dólares. Su valor estimado por los expertos era de unos 30 millones. Igualmente superó el récord fijado por De Kooning.

notimex

Homenaje a Tamara de Lempicka

2008-07-20T17:13:00.001-07:00

Retratista de la alta sociedad de los años 30, Tamara de Lempicka convirtió su vida en una puesta en escena. Su obra y su vida reciben un homenaje en la Casa das Artes de Vigo, donde se inaugurado la primera retrospectiva en España sobre esta artista.

La muestra, organizada por la Fundación Caixa Galicia, exhibirá una selección de óleos, dibujos, fotografías y objetos personales de este icono de la agitación vital y cultural del período de entreguerras. Algunas piezas, muchas de ellas procedentes de colecciones particulares, son inéditas.

Tamara de Lempicka (1898-1980) fue una mujer moderna, libre y determinada. Una polaca casada con un abogado ruso, exiliada a París, donde se convierte en la retratista más solicitada de Europa. Una figura emblemática de la estética moderna, gran inspiradora de la moda, de la publicidad y del grafismo.

La exposición, comisariada por Emmanuel Bréon, es un tributo a esta pintora polaca que vivió en San Petersburgo, París, Milán y Nueva York, para en los últimos años de su vida instalarse en Cuernavaca (México).

Una cuidada selección de cuadros y dibujos, así como, fotografías, un audiovisual y diversos objetos recrean la atmósfera de la época y permitirán al visitante adentrarse en la vida de Tamara de Lempicka, marcada por el glamour pero también por los acontecimientos que sacudieron el siglo XX.

La artista se inscribe en el movimiento estilístico de la época, el postcubismo y el manierismo modernista. Centrada en el retrato, en sus temas refleja el gusto por la libertad de costumbres.

Sus obras, coloridas y a menudo agresivas y espectaculares, se acercan a un grafismo característico de la publicidad. Figura emblemática del art déco, goza de un particular interés confirmado por la fama de sus diversos coleccionistas, algunos tan populares como Madonna, Donna Karan, Jack Nicholson y Wolfang Joop.

Fuente: www.elmundo.es

Tamara-de-Lempicka

Los carteles en el Siglo XX

2008-07-20T17:11:00.000-07:00

En la imagen, litografía 'Reine de Joie de Victor Joze' (1892), de Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901).

La exposición '100 pósters para un siglo', organizada por la Fundación Pedro Barrié de la Maza, en colaboración con el Museo de Diseño de Zurich, plasma de manera cronológica el auge de este género artístico, surgido a finales del siglo XIX, pero también su ocaso como medio de comunicación.

La colección, que se exhibe desde esta semana en la sede de esta entidad en Vigo, es una cuidada selección de 100 significativos anuncios que plantean un recorrido por el cartelismo del siglo pasado.

Desde Jules Chéret hasta Henri Toulouse-Lautrec. Desde Andy Warhol a Peter Gee. Una pieza junto a otra para reflejar lo importante y lo trivial; el deseo honesto y la mentira; asuntos de altos vuelos y otros más banales; la políticas y los conflictos sociales; el consumo y la publicidad; o el ocio y la cultura.

Offset de United Colors of Benetton (1992), por Oliviero Toscani (1942).

Aunque aún hoy continúan diseñándose pósters, su objetivo ha cambiado. "Se siguen haciendo, pero como canal, como medio de comunicación ha perdido ya su eficacia", afirma Marta Rey, directora de la fundación, quien señala que soportes como Internet o la televisión en directo acabaron, en cierto modo, con el fin por el que nació.

Serigrafía 'Sin título' (1972), de Peter Gee (1932).

El elenco de artistas muestra el mensaje efímero e inmediato, propio de exteriores urbanos y que, sin embargo, el paso del tiempo convierte en algo trascendente y propio de museo. "Es un medio muy fugaz, se exhibe por pocas semanas y pronto ya hay una capa encima", señaló el director del Museo del Diseño de Zurich, Christian Brandl.

Offset 'URSS' (1929), de El Lissitzky (1890-1941).

El recorrido de esta muestra se inicia en la Primera Guerra Mundial y pasa por el período de entreguerras, la Segunda Guerra Mundial, por los movimientos sociales, el arte y el pop, el consumismo y los conflictos como la guerra de Vietnam.

Los originales proceden de la colección de pósters del Museo de Diseño de Zurich, una de las más completas del mundo. Más de 330.000 ejemplares, de ellos 120.000 catalogados e inventariados, conforman un archivo de relevancia mundial. Sus fondos documentan la historia internacional del cartel publicitario desde sus comienzos hasta la actualidad.

Fuente: www.elmundo.es

Quién es Diane Arbus?

2008-07-20T17:10:00.000-07:00

Anteriormente puse el trailer de una película que trata sobre Diane Arbus, pero quién era ella?

Wikipedia.-Diane Arbus (* 1923 Nueva York, † 1971) fue una fotógrafa estadounidense.Influenciada por Model y la película Freaks ("La parada de los monstruos" o "Fenómenos") de Tod Browning, Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador "temor y vergüenza".

Pionera del flash de relleno (flash de día) La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso:cuando fotografía el dolor, lo encientra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro.

Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza. Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. Busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación. Se rebela contra el Gobierno, lo público, lo normal...

Diane-Arbus

Homenaje a Fernando Botero

2008-07-20T17:09:00.000-07:00

Con motivo del 75 aniversario del nacimiento de Fernando Botero, varios galeristas internacionales se han unido para rendirle homenaje. Se pueden apreciar 27 obras del dibujante, pintor y escultor colombiano en la Galería Fernando Pradilla de Madrid.

La exposición busca dar un reconocimiento al artista vivo con mayor alcance internacional "que ha creado una estética que es icono contemporáneo identificado en todo el mundo", según Fernando Pradilla, propietario de la galería.

La idea de la exposición mundial 'Global-Botero' es que cada galerista organice la muestra a su manera para, más adelante, editar un catálogo en el que explicarán su relación con el artista colombiano.

En el proyecto participan también las galerías Thomas, de Múnich en Alemania, Freites, de Caracas en Venezuela; las estadounidenses Tasende en Hollywood y Gary Nader en Miami, y la italiana Contini Art, de Venecia.

Fernando-Botero
Colombia

Museo de las Artes Latinas en Texas

2008-07-20T17:08:00.000-07:00

Un edificio rosado con luces de colores albergará a partir del viernes el museo más grande de la nación dedicado a la cultura y las artes latinas,en San Antonio, Texas, ciudad de inmigrantes hispanos.

Mientras el debate sobre el creciente número de inmigrantes se intensifica, los organizadores decidieron que era importante mostrar la mezcla de la cultura latina con la estadounidense y otras, dijo Ruth Medellín, directora ejecutiva del Museo Alameda, una sociedad entre el Centro Nacional Alameda para las Artes Latinas y el Instituto de Cultura Smithsoniano.

Ubicado a pocas calles del Alamo, se espera que el complejo de 3 mil 600 metros cuadrados atraiga más de 400 mil visitantes al año. Todas las exhibiciones menos una serán temporales, y abarcarán desde artefactos smithsonianos hasta trabajos de artistas latinos emergentes.

La única muestra permanente está diseñada a semejanza de un jardín botánico, una tienda llena de todo desde hierbas homeopáticas hasta jabones fragantes y estatuas religiosas. La exhibición se creó con inventario del jardín botánico más antiguo de San Antonio, que cerró hace dos años.

El exterior del museo de 12 millones de dólares incluye una enorme placa de acero y aluminio que parece una luminaria, una lámpara mexicana usada en celebraciones. La pared metálica se ilumina desde atrás con luces de colores que cambian continuamente, en sincronía con la música.

Entre las obras a exhibirse el viernes está un mural digital de 1.83 por 1.83 metros titulado ''Somos'', de George Cisneros, que incluye imágenes de una estatua de San Miguel y viejas fotografías familiares así como imágenes de colores ondulantes que representan tejidos latinoamericanos.

Spencer Tunick

2008-07-20T17:07:00.000-07:00

Spencer Tunick, fotógrafo estadounidense nacido en Middletown (Nueva York) en el año 1967. Obtuvo una titulación en Ciencias por la Universidad de Emerson en 1988.

Es muy conocido por sus fotografías de grandes masas de personas desnudas dispuestas en artísticas formaciones a menudo situadas en localizaciones urbanas y conocidas como Instalaciones. Surgen de estas imágenes una serie de tensiones entre los conceptos de lo público y lo privado, lo tolerado y lo prohibido o lo individual y lo colectivo.

Tunick comenzó en el año 1992 fotografiando personas desnudas por las calles de Nueva York. Sus fotos rápidamente se hicieron populares y decidió ampliar su trabajo por otros estados de Norteamérica, en su proyecto denominado Naked States (Estados desnudos). Más tarde hizo una gira internacional, a la que denominó Nude Adrift (Desnudo a la Deriva) tomando fotografías por ciudades como Brujas, Londres, Lyon, Melbourne, Montreal, Santiago (4000 asistentes), Sao Paulo, Newcastle o Viena.

Fue arrestado en 1994 con una modelo femenina cuando ella posaba desnuda en el Centro Rockefeller de Manhattan (Nueva York). En junio del 2003 llegó a fotografiar a 7000 personas desnudas en Barcelona. Sus modelos son voluntarios que únicamente reciben una foto firmada por su colaboración.

En muchos de los lugares donde Tunick ha realizado su proyecto artístico ha surgido un debate sobre si estas instalaciones son realmente un arte o no. Diversos grupos califican estos actos como meras manifestaciones sociales, en apoyo a la libertad de expresión.

Spencer-Tunick

El cabello de Ramsés

2008-07-20T17:06:00.001-07:00

La odisea de los pelos de Ramsés II ha llegado a su fin. Después de pasar 31 años en Francia y de que un cartero galo intentara venderlo ilegalmente a través de internet, el disputado rizo del faraón descansa finalmente junto a su momia en el Museo Egipcio de El Cairo. El ministro de Cultura, Faruk Hosny, lo ha anunciado ante toda la prensa nacional e internacional a bombo y platillo, para dejar claro que no va a consentir que «ni un mechón de pelo se quede fuera de Egipto».

El viaje del cabello de uno de los más famosos reyes egipcios comenzó allá por 1976, cuando su momia se vio afectada por un extraño hongo. Ramsés II viajó entonces a Francia para ser analizado por un equipo de científicos, que recogieron pequeñas muestras de pelo, vendas y resinas que habían sido utilizadas en su momificación. El faraón, de 3.200 años, volvió a su tierra, pero su pelo se quedó en Francia, ya que uno de los investigadores, bien por despiste o por avaricia, se lo llevó a casa.

Y allí ha permanecido durante décadas, olvidado por las autoridades, hasta que, una vez fallecido el científico, su hijo decidió hacer negocio con los cabellos faraónicos.

Sin un pelo de tonto, Jean Michel Diebolt puso el mechón a la venta en internet el pasado noviembre por la nada desdeñable cantidad de 2.000 euros. Pero Diebolt cometió un error subestimando la capacidad de las autoridades egipcias para rastrear e intentar recuperar los valiosos pedazos de su historia. «Tengo espías por todo el mundo que me informan de cosas que no podríais ni imaginar», reconoció misterioso Zahi Hawass, que, desde su cargo como secretario general del Consejo Supremo de
Antigüedades egipcio, no consiente que se mueva una piedra en el país sin su permiso.

Un equipo de arqueólogos egipcios viajó a Francia para recuperar el botín capilar, con el que volvieron, triunfadores, la semana pasada. Egipto no piensa quedarse de brazos cruzados ante los expolios y ha anunciado el inicio de una campaña mundial de recuperación de piezas arqueológicas, que ya ha reclamado una estatuilla real que se encuentra en Barcelona.

Quizás nunca llegue a cumplirse el sueño egipcio de volver a ver la piedra Rosetta (hoy en el Museo Británico de Londres) en el lugar donde se encontró, pero el rizo de Ramsés II bien podría ser la primera victoria de una larga batalla. El faraón era, por cierto, moreno.

Ramses
Egipto

El Hiperrealismo de Ron Mueck

2008-07-20T17:03:00.000-07:00

El artista australiano Ron Mueck presenta su última obra en el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga en España. Se trata de un bebé gigante titulado "A Girl". La escultura, que representa a una niña con apenas unos minutos de vida, cuida hasta el mínimo detalle y evidencia el hábito del artista al emplear medidas muy exageradas para retratar lo humano. Su principal referencia: la escultura clásica.

Ron Mueck (1958) es un escultor hiperrealista australiano que vive en Inglaterra.

Su origen profesional fue en el mundo de los efectos especiales para el cine. Sin embargo ya había dado un paso hacia el mundo del arte aprovechando su talento sorprendente para desarrollar creaciones plásticas con un realismo sorprendente.

Mueck se mudó a Londres para establecer su propia compañía, creando utilería y “animatronics” para la industria de la publicidad. A pesar de ser altamente detallados sus trabajos, eran diseñados para ser fotografiados desde un ángulo muy específico, ocultando así el desorden de la obra vista desde otro ángulo. Mueck con más y más frecuencia deseaba producir esculturas que se vieran perfectas desde cualquier ángulo.

En su trayectoria, Mueck tan sólo ha utilizado el tamaño real en una de sus obras, en la que recrea un perro. El resto son de tamaño mayor -como en este caso, 'Mask II'- o menor que el real.

Las esculturas de Mueck reproducen fielmente los detalles del cuerpo humano, pero juega con la escala para crear imágenes que nos sacuden. Su obra de cinco metros “Boy”, fue mostrada en 1999 en el “Millenium Dome” y más tarde se exhibió en la “Biennale de Venecia”.

Éste escultor formó parte de la exposición “Sensation” que causó polémica y otras reacciones extremas entre los críticos y el público. La pieza que expuso en esa ocasión era “Dead Dad”. Esa exposición incluyó también a otros “nuevos” artistas británicos como Damien Hirst y los hermanos Jake y Dinos Chapman, que llevan su quehacer a extremos definitivamente estremecedores.

Ron-Mueck

Las mejores novelas en español

2008-07-20T17:02:00.000-07:00

La novela El amor en los tiempos del cólera, del colombiano Gabriel García Márquez, fue elegida como la mejor en español de los últimos 25 años por 81 expertos iberoamericanos consultados por la revista Semana.

En su más reciente edición, el semanario colombiano publicó una lista con las 100 mejores novelas escritas en lengua castellana a partir de 1982, las cuales fueron elegidas por escritores, editores y críticos literarios, entre otros.

Tras la obra de García Márquez se ubicó La fiesta del Chivo, del peruano Mario Vargas Llosa, seguida de Los detectives salvajes y 2666, del chileno Roberto Bolaño, y Noticias del Imperio , del mexicano Fernando del Paso.

Luego están las españolas Corazón tan blanco, de Javier Marías, y Bartleby y Compañía, de Enrique Vila-Matas; Santa Evita, del argentino Tomás Eloy Martínez, y Mañana en la batalla piensa en mí, también de Marías.

En la lista de mejores 100 también figuran las mexicanas El testigo, de Juan Villoro; Salón de belleza, de Mario Bellatin; Mal de amores, de Angeles Mastretta, y Los años con Laura Díaz, de Carlos Fuentes.

Además están El arte de la fuga, de Sergio Pitol; Diablo guardián, de Xavier Velasco; La otra mano de Lepanto, de Carmen Boullosa; La silla del Aguila, de Fuentes; La guerra de Galio, de Héctor Aguilar Camín, y Arráncame la vida, de Mastretta.

De las 100 novelas, 32 son de autores españoles porque, según Semana, "allí es donde está la meca de la industria editorial en castellano y es sin duda el país de habla hispana donde más nuevos títulos se publican por año. Y donde más libros se venden" .

Gabriel-Garcia-Marquez
Mario-vargas-Llosa
Angeles-Mastretta

2007, el año de García Márquez

2008-07-20T16:59:00.000-07:00

El "Año de García Márquez" . Así bien puede llamarse este 2007 en que coinciden el 80 aniversario de su nacimiento, los 40 años de la publicación de Cien años de soledad y los 25 del Premio Nobel de Literatura.

Son aniversarios que trascienden las fronteras nacionales y literarias porque Gabriel García Márquez, el maestro del realismo mágico, el creador del legendario mundo de Macondo, es ante todo un colombiano universal y uno de los inmortales de la literatura.

Gabo, como lo llaman afectuosamente desde sus más íntimos amigos hasta aquella legión de lectores anónimos que tiene repartida por todo el mundo, está considerado por los críticos como el más grande escritor vivo y para algunos es el más importante de la lengua de Castilla después de Cervantes.

"Es un autor que lo consideran de casa en cualquier lengua y en cualquier época y en cualquier país donde se lea" , manifestó recientemente en una entrevista con una radio colombiana Dasso Saldívar, autor de El viaje a la semilla, la más completa biografía de García Márquez, nacido el 6 de marzo de 1927.

La admiración, veneración en algunos casos, que García Márquez despierta en todo el mundo no es gratuita. Es producto de la fértil imaginación y torrente narrativa de un genio que llevó a su más elevada expresión un estilo de contar historias fantásticas, no como fábulas, sino como parte del mundo real.

Eso se constata en las similitudes entre los personajes de sus obras y sus antepasados, comenzando por la figura de su abuelo, el coronel Nicolás Ricardo Márquez Mejía y José Arcadio Buendía, de Cien años de soledad, y entre su abuela Tranquilina Iguarán Cotes y Úrsula Iguarán.

"Los abuelos de García Márquez fueron primos hermanos, como José Arcadio y Úrsula Iguarán en Cien años de soledad, anota Saldívar en su obra sobre Gabo.

Las coincidencias entre lo real y lo imaginario, entre Macondo, aquella " aldea de 20 casas de barro y cañabrava construidas a la orilla de un río de aguas diáfanas... " y su natal Aracataca, población del departamento caribeño del Magdalena, refuerzan la tesis de quienes consideran que el Nobel, más que inventar, dio un toque mágico a la realidad colombiana.

Pongo aquí una serie de links de los trabajos de este maravilloso escritor. En primer lugar, viene un programa de radio dedicado a el, en donde García Márquez y varios amigos comentan sobre sus obras. Después vienen links a fragmentos de algunas de sus novelas, y cuentos completos.

Programa de radio dedicado a García Márquez en la BBC.
Primer Capítulo de Cien Años de Soledad
Fragmento de su última novela Memoria de mis Putas Tristes
Sólo vine a hablar por teléfono (Cuento)
El Ahogado más hermoso del mundo (Cuento)
Ojos de Perro Azul (Cuento)
El Rastro de tu sangre en la nieve (Cuento)

Gabriel-Garcia-Marquez

World Press Photo 2006

2008-07-20T16:58:00.000-07:00

El fotógrafo estadounidense Spencer Platt fue proclamado hoy ganador del "World Press Photo 2006" en la categoría de Foto del Año gracias a una instantánea sobre los destrozos que la guerra del Líbano del pasado verano causó en Beirut.

La imagen de Platt, que trabaja para la agencia Getty Images, data del pasado 15 de agosto, primer día del alto el fuego entre Israel y la milicia Hizbolah, y muestra a unos jóvenes libaneses paseando en un descapotable rojo entre las ruinas de la ciudad.

El jurado internacional la seleccionó de entre las 78.083 imágenes de 4.460 profesionales que concurrieron a esta edición de los más importantes premios del fotoperiodismo que cada año se conceden en Amsterdam.

Un foto tomada del reciente conflicto de la APPO en Oaxaca, por el mexicano Daniel Aguilar de Reuters, ganó el tercer lugar en la categoría individual de Noticias Generales.

En la categoría Imágenes de Noticias, el primer premio en imágenes individuales fue para el nigeriano Akintunde Akinleye, de Reuters

World-Press-Photo

México Lindo...Teotihuacán en el Estado de México

2008-07-20T16:53:00.001-07:00

Poco después del inicio de la era cristiana, surgió en el Altiplano central, la primera gran civilización urbana del México Antiguo, su nombre: Teotihuacan, la “ciudad donde los hombres se hacen los dioses”.

La ciudad se inició alrededor del año 100 a.C., aunque el sitio se encontraba poblado al menos desde el año 800 a.C. Se asentó en el centro del valle a partir de un eje rector orientado de norte a sur, en el que se dispuso una calzada principal decasi 4 km de longitud, mientras que el cauce del antiguo río San Juan fue desviado para formar el cruce con un eje oriente-poniente.

Fue así como los cuatro cuadrantes fueron dispuestos para distribuir en ellos los monumentales edificios ceremoniales, civiles y habitacionales. El periodo de esplendor de la ciudad ocurrió aproximadamente entre los años 250 y 650 de nuestra era, con el desarrollo de complejos sistemas sociales, una extensa red comercial que cubría rutas por toda Mesoamérica y una fuerte influencia cultural que comprendía aspectos estilísticos en el campo de la arquitectura, la pintura y la escultura.

Un ejemplo de ello es el uso del sistema constructivo a base de talud y tablero. En esa época la ciudad alcanzó una extensión mayor a los 25 km cuadrados y llegó a tener alrededor de 200 000 habitantes perfectamente organizados en núcleos habitacionales y a menudo agrupados en ramos ocupacionales o artesanales.

Los espacios más importantes del sitio fueron “La Ciudadela”, cuadrángulo que albergó áreas religiosas de importancia, entre ellas el Templo de Quetzalcóatl con su impresionante fachada decorada con grandes cabezas de serpiente, mascarones de Tláloc y la serpiente emplumada, Quetzalcóatl; la “Calzada de los Muertos”, camino procesional de acceso a la ciudad y así llamada por los mexicas, que supusieron que los montículos a sus costados eran tumbas de dioses;

el conjunto de los edificios superpuestos, que muestran etapas constructivas de los primeros años de la ciudad; la Pirámide del Sol, estructura de 64 m de altura, una de las más grandes del país; la Plaza y Pirámide de la Luna, que conforman un bello conjunto de gran armonía arquitectónica y que rematan la parte norte del sitio; el Palacio de Quetzalpapálotl, interesante construcción civil que se cree estuvo dedicada a la clase sacerdotal de la ciudad y que guarda en su interior magníficos restos de bajorrelieves y pinturas murales;

el Palacio de los Jaguares, dispuesto en un nivel más bajo que el anterior y conformado por un patio rodeado por aposentos en cuyos muros aún se conservan restos de pintura mural con imágenes de jaguares que portan penachos y tocan caracoles; el Palacio de los Caracoles Emplumados oculto bajo el de Quetzalpapálotl, que presenta una plataforma decorada con bellísimas pinturas murales en las que hay imágenes de aves y diversos símbolos, y un templo en cuya puerta se observan relieves en piedra de caracoles con plumas.

En otras áreas del centro ceremonial se localizan conjuntos habitacionales donde probablemente vivieron sacerdotes o gobernantes, en los que hay restos de pinturas murales de gran calidad, como los palacios de Tepantitla, Tetitla y Atetelco.

Teotihuacan
Mexico

Piezas Arqueológicas en Zazacatla

2008-07-20T16:50:00.000-07:00

Arqueólogos mexicanos han rescatado una escultura prehispánica de 120 kilos y de una antigüedad aproximada de 2.500 años que se presume podría ser una deidad olmeca, informaron los responsables del hallazgo.

El arqueólogo mexicano Mauricio Castro, responsable de los trabajos de campo en la ciudad prehispánica de Zazacatla, a 90 kilómetros de Ciudad de México, dijo ha la prensa que esta pieza se suma a las 23 esculturas de sacerdotes, a la cabeza tallada en piedra y a la ofrenda mortuoria con 12 cadáveres, algunos de ellos descuartizados, que se han localizado en los últimos dos meses en este sitio.

Estas piezas que representan a los sacerdotes tienen unas dimensiones de 46 y 58 centímetros respectivamente, y sus rasgos tienen que ver con el dragón olmeca (la deidad mas importante del panteón olmeca).

El sitio de Zazacatla se ubica dentro de un predio de la cervecería Modelo, con una extensión de 9.000 metros cuadrados, de los cuales 3.000 cuentan con vestigios arqueológicos.

"El sitio está destrozado, lo que hemos encontrado son fraccionamientos, autopistas, y la cervecería, que han destruido gran parte de los vestigios", afirmó la arqueóloga Canto Aguilar.

Comentó que actualmente sólo se mantiene el 30% de la zona arqueológica, aunque el sitio es zona protegida por el Instituto Nacional de Antropología e Historia y explicó que el crecimiento urbano ha ocasionado que se pierda.

La arqueóloga comentó que las esculturas localizadas están fechadas entre el año 800 y 500 a.de C., y que serán expuestas en el Antiguo Palacio de Cortés, en la ciudad de Cuernavaca, capital de Morelos.

Zacatacla
Morelos
Xochitepec
Olmeca

México Lindo...Los cabos en Baja California Sur

2008-07-20T16:49:00.001-07:00

Situados en el extremo sur de la península de Baja California, Los Cabos constituyen uno de los destinos turísticos de mayor crecimiento y desarrollo de México.
Los Cabos están conformados por tres áreas fundamentales que se unen a lo largo de 45 kilómetros desde el aeropuerto: San José del Cabo, el Corredor Turístico y Cabo San Lucas.

San Jose del Cabo
En 1730 se establece la octava misión de los jesuitas, la del estero de Las Palmas de San José del Cabo, en medio de un maravilloso oasis de palmeras y espesa vegetación al cual escogieron más de 150 especies de aves como su santuario.

Hoy San José del Cabo nos invita a caminar por las pintorescas calles que rodean su recién remodelada plaza. Restaurantes de todos los estilos, precios y gustos, joyerías, boutiques y una gran variedad de tiendas alegran el ir y venir de locales y turistas. Por la noche, en la “Simpecao”, el “Tropicana” o “La Havana” se puede escuchar buena música y bailar hasta tarde.

EL CORREDOR TURÍSTICO
Un recorrido de 32 kilómetros por la carretera de cuatro carriles enlaza a San José del Cabo con Cabo San Lucas, atravesando lujosos complejos turísticos, muchos de ellos alfombrados por espectaculares campos de golf, junto a hoteles de alto nivel internacional y zonas residenciales y de condominios.

A lo largo del recorrido destacan por su excepcional belleza y tranquilidad las playas de Palmilla, El Chileno y Santamaría, además de aquellas que son muy apreciadas por los amantes del surf, como Acapulquito y Costa Azul, cerca de San José del Cabo.

CABO SAN LUCAS
Sin duda el corazón de la vida nocturna. La ebullición de sus restaurantes y bares comienza al atardecer, con un recorrido por la gran variedad de tiendas o por el imponente centro comercial de Puerto Paraíso. Pasear por la marina frente a Margaritavilla y Nowhere Bar y dejarse seducir por los aromas de los exquisitos restaurantes de esta zona, es un verdadero placer.

Ya entrada la noche las opciones son muchas, para después acabar bailando en los tradicionales Squid Roe, Cabo Wabo y Giggling Marlin, o escuchando jazz o música de salsa en el Sancho Panza o en el Spicy.

Pero Cabo San Lucas también es el centro de la acción en el mar. Cada amanecer la actividad comienza en la bahía y en su marina, con sus más de 350 atraques. Ahí, cientos de pescadores y de embarcaciones se aprestan a salir al mar en busca de los preciados dorados, atunes y pargos, sin faltar su majestad el marlin, que por fortuna cada vez más se beneficia del sistema de “péscalo y suéltalo”.

Cabo-San-Lucas
Jose-del-Cabo
Baja-California-Sur

Barroco

2008-07-20T16:47:00.001-07:00

Caravaggio
Judith decapitando a Holofernes, 1598

El Barroco, además de un período de la historia del arte, fue un movimiento cultural que se extendió desde el 1600 hasta 1750 aproximadamente. Durante mucho tiempo (siglos XVIII y XIX), el término barroco tuvo un sentido peyorativo, sinónimo de recargado, desmesurado e irracional, hasta que, posteriormente, fue revalorizado por Benedetto Croce y Burkhart.

El período Barroco se ubica entre los períodos Manierista y Rococó, aunque algunas definiciones llegan a incluir a ambos movimientos como parte del Barroco y, por ende, lo sitúan entre el arte del Renacimiento y el Neoclásico. Se enmarca en un tiempo en el cual la Iglesia Católica tuvo que reaccionar contra numerosos movimientos revolucionarios culturales que produjeron una nueva ciencia y nuevas formas de religión, como la Reforma protestante.

Ariadne, Venus y Bacco, 1576
Tintoretto

Se ha dicho que el Barroco en arquitectura es un estilo que podría dar al papado un camino formal imponente de la expresión que podría restaurar su prestigio, al punto de hacerse de alguna manera simbólico de la Contrarreforma. Fue con éxito desarrollado en Roma, donde la arquitectura barroca renovó ampliamente las áreas centrales con la adición (o revisión) urbanística. Pero muchos otros ejemplos son encontrados en otras ciudades europeas y en las Américas españolas. Es importante destacar que el Barroco abarcó muchas artes, y no solamente la arquitectura; fue una innovación cultural general.

Rubens
El Juicio de Paris, 1635

El término "barroco" fue después usado con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración (siglo XVIII principalmente). Fue finalmente rehabilitado en 1888 por el historiador alemán de arte Heinrich Woelfflin (1864-1945), quién identificó al barroco como oponente al Renacimiento y como una clase diferente dentro del arte.

El Barroco realmente expresó nuevos valores; en literatura es abundante el uso de la metáfora y la alegoría. Representa un estado de ánimo diferente, más cerca del romanticismo que del renacimiento, aún cuando es un movimiento que nace al mismo tiempo que este último en algunos países.

Cada una de las Bellas Artes tiene su representante en este movimiento cultural. En música puede ser Antonio Vivaldi y Johann Sebastian Bach, en literatura española se encuentra Luis de Góngora, en pintura italiana está Pietro da Cortona, la escultura mexicana está representada por Jerónimo Balbás, etc.

El Barroco como estilo general es tan sólo una intención de base. Las formas que adopte en la praxis serán tan variadas como se pueda imaginar. Sin embargo, dos polos predominan, agrupados en torno a dos grandes figuras rivales en la época: Michelangelo Merisi da Caravaggio, que aglutina a los pintores del naturalismo tenebrista; y Annibale Carracci, que trabaja con su hermano y con su primo en un estilo clasicista.

Barroco
Caravaggio
Rubens

México Lindo...El Espinazo del Diablo en Durango

2008-07-20T16:45:00.004-07:00

En el trayecto carretero que va de la ciudad de Durango a Mazatlán podrá detenerse en un mirador, ubicado a 2,200 metros sobre el nivel del mar, desde el que se observa un majestuoso paisaje de las estribaciones de la Sierra Madre Occidental. Las cumbres parecen perderse en el horizonte, que se funde con la tupida vegetación de bosques de pino y encino.

El Espinazo del Diablo es un trayecto de muchas curvas y una carretera peligrosa y llena de barrancos pero que te permite admirar paisajes impresionantes de desfiladeros, sierras, y vegetación. Cuando yo tenía 11 años, mis papás y yo viajamos de Monterrey a Tijuana en camión y recuerdo cuando pasamos por allí y la majestuosidad del lugar, aunque también recuerdo que de tanta curva me sentí mal del estómago, quizá ahora a mi edad podría apreciar mejor este lugar tan imponente y único en nuestro país.

Espinazo-del-diablo
Durango

México Lindo...Nuestra Señora de la Paz en La Paz, Baja California Sur

2008-07-20T16:45:00.001-07:00

Iniciado en la segunda mitad del siglo XIX, este recinto en la ciudad de La Paz, Baja California Sur, presenta una curiosa imagen construida con cantera, en la que resalta la sobria influencia de la arquitectura misional desarrollada en la región, aunque también muestra un adusto estilo neoclásico.

En su interior conserva algunas pinturas de buena calidad, algunas de ellas realizadas en el siglo XVIII y que proceden de varias de las misiones que fueran fundadas por los frailes jesuitas, hoy en ruinas o desaparecidas.

Nuestra-Señora-de-La-Paz
La-Paz
Baja-California-Sur

Tintoretto en El Prado

2008-07-20T16:44:00.001-07:00

La Ultima Cena, 1592
La Galería Central, espacio emblemático del Museo del Prado de Madrid, se ha transformado para acoger una gran exposición, Tintoretto, en la que "la luz y el color del Renacimiento veneciano vuelven a deslumbrarnos", en opinión de Miguel Zugaza, director de la pinacoteca española.

El poder contemplar juntas después de 400 años La Última Cena y El lavatorio, obras maestras pintadas por el artista renacentista italiano para la Iglesia de San Marcuola de Venecia, es uno de los muchos atractivos de esta muestra.

Es la primera exposición antológica que se dedica en España al artista, y también la primera gran exposición mundial que se organiza desde la del Palazzo Pesaro de Venecia en 1937.

El Lavatorio

A pesar de la dificultad que existe para mostrar obras del maestro veneciano, que por su enorme formato son imposibles de sacar del lugar para el que fueron realizadas, El Prado ha realizado un gran esfuerzo y ha conseguido reunir un gran conjunto representativo en una magna exposición.

Leda and Swan, 1556

Destacado representante de la escuela veneciana, maestro del escorzo y de las posturas atrevidas, Jacopo Robusti, conocido como El Tintoretto (Venecia, 1519-1594) , vuelve a estar de actualidad en una exposición en la que ha primado la calidad a la hora de la selección por parte del comisario Miguel Falomir, jefe del departamento de Pintura Italiana del Prado, que ha querido "mostrar al artista en todo su esplendor".

El gran número de obras que pintó, más de un millar, el ingente tamaño de muchas de ellas, y su brillantez al dar soluciones compositivas hacen de Tintoretto "el último 'titán' del renacimiento italiano".

Tintoretto
Museo-del-Prado

México Lindo...Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México

2008-07-20T16:43:00.001-07:00

El Antiguo Colegio jesuita de San Ildefonso es un inmueble que sorprende por la longitud de su fachada, de 136 metros, en la que resaltan la sobria combinación de los muros de tezontle y la cantera moldurada de los marcos delas ventanas, lo mismo que la distrubución de pilastras a lo largo del edificio.

Bajo la advocación de San Ildefonso, el Colegio nació como la unión de tres escuelas jesuitas, a principios del siglo XVII. Se trata de una de las más notables construcciones del Virreinato, tanto por su vastedad como por el señorial ordenamiento de sus tres grandes patios.

La obra general se inició en 1739 y quedó totalmente concluida diez años después. Al triunfo de la República en 1867 se estableció, por decreto de Benito Juárez, la Escuela Nacional Preparatoria y se le asignó como sede este edificio.Desde entonces ha estado ligado a la Universidad Nacional y hoy en día es un magnífico espacio por donde desfilan soberbias exposiciones, además de conciertos y seminarios

En su interior presenta tres hermosos patios: el Colegio Chico, donde destacan excelentes murales de David Alfaro Siqueiros; el de Paseantes, en el que se puede admirar el conjunto de pinturas de Fermín Revueltas, Ramón Alva de la Canal y José Clemente Orozco, y el Grande, que corresponde al patio central, con sencillas arquerías en sus tres niveles.

San-Ildefonso
Mexico

México Lindo...Iglesia de la Concordia en Orizaba, Veracruz

2008-07-20T16:42:00.002-07:00

Es uno de los más bellos ejemplos de la arquitectura religiosa de la ciudad. En la segunda mitad del siglo XVIII se reunieron un grupo de sacerdotes vecinos de la villa de Orizaba para erigir el Oratorio de San Felipe Neri.

La congregación fue aprobada y se le asignó el título de "Concordia de Capellanes del Santuario de Nuestra Señora de Guadalupe", razón por la cual muestra en su portada un relieve en argamasa de Nuestra Señora de Guadalupe, realizado con influencia popular, rodeado de una singular decoración de ingenuo estilo churrigueresco. En su interior hay dos retablos pintados al aceite.

Destacan tres patios, el principal de bellas proporciones, que hoy alberga a un museo.

Iglesia-de-la-Concordia
Orizaba
Veracruz

México Lindo...Ensenada, Baja California

2008-07-20T16:42:00.001-07:00

Esta es la ciudad en donde yo nací y vivo actualmente. Ensenada, la llamada Cenicienta del Pacífico, en la península de Baja California, al noroeste de México.

La Ciudad y Puerto de Ensenada, actual cabecera del Municipio del mismo nombre, fue descubierta por el navegante portugués JUAN RODRÍGUEZ CABRILLO, quien se encontraba al servicio de su primer virrey Don Antonio de Mendoza, el 17 de septiembre de 1542. Dicho navegante le impuso el nombre de BAHÍA DE SAN MATEO.

La Bufadora

Le dio su nombre actual el Cap. SEBASTIÁN VIZCAINO, quien llegó a este lugar el 02 de noviembre de 1602, por cuyo motivo llamó a la bahía ENSENADA DE TODOS SANTOS.

Se cuenta actualmente con pocas fuentes autorizadas que permitan establecer los usos y costumbres de los pobladores prehispánicos de nuestro Municipio y sólo se conoce la existencia de los indígenas de la tribu Cochimí, cuyo territorio comprendía desde San Javier y La Purísima, excluyendo Loreto en el Estado Sur, hasta el extremo norte de la Península.

Santuario de la Virgen de Guadalupe

Las principales subdivisiones de los Cochimíes en el extremo norte, fueron: Los Kiliwas, en la Sierra de San Pedro Mártir; los Cucapás, en las Riveras del Río Colorado; los Yumas de Santa Catarina, en la Misión de este nombre; los Dieguinos o Escarbadores, al sur de la actual frontera con Estados Unidos; los País de San Vicente y cercanías de Santa Catalina y los Gimies en la región de Ensenada.

Llamada la Cenicienta del Pacífico, es reconocida por sus atractivos naturales y turísticos. Se encuentran parques nacionales, pinturas rupestres, un espectacular géiser marino denominado La Bufadora, ubicado a 35 kilómetros al sur de Ensenada, es un profundo cañón submarino que desemboca en una cueva en el risco. El géiser marino se eleva más de 30 metros sobre el nivel del mar, produciendo un sonido que ha dado origen a su nombre.

La famosa cantina Hussong´s

Una actividad interesante y atractiva es el avistamiento de miles de ballenas grises provenientes de los mares del norte con destino al refugio natural ubicado al sur de Laguna Ojo de Liebre, Laguna San Ignacio y Bahía de Ballenas en Baja California Sur, para dar a luz a sus ballenas. También, en las agradables playas y aguas de Ensenada se llevan a cabo grandes concursos de pesca deportiva, surfing, regatas y competencias internacionales. Es sede de la internacional y reconocida carrera fuera de carretera Baja 1000.

Puerto de Ensenada

El Centro Cultural Riviera es otro lugar para conocer. Cuenta con museo, un impresionante jardín botánico, además de presentar espectáculos de gran calidad. De los lugares para pasar unas agradables vacaciones está el desarrollo Baja Mar, el desarrollo de Puerto Salinas y Baja Beach, que incluyen marina, hotel Gran Turismo, condominios y campos de golf. El desarrollo de Punta Piedra contempla residencias, centros comercial, andadores, marina en un hotel de 42 hectáreas. Ensenada complementa su oferta para una estancia placentera con cerca de 60 lugares de hospedaje.

Mercado negro de mariscos

Entre los eventos reconocidos están la Fiesta de la Vendimia en el Valle de Guadalupe, una festividad alrededor de la cosecha de la uva que conjunta a un gran número de visitantes que llevan a cabo eventos como visita de las bodegas, degustación de vinos, rodeo, baile y comida.

Después de su descubrimiento, ENSENADA tuvo una vida incipiente hasta hace poco más de cien años. Actualmente, es la ciudad más antigua y característica del Estado, pues cuenta con perfiles propios y peculiares, tradiciones y costumbres.

Hotel Las Rosas

Antes de ser cabecera municipal, a raíz de la fundación del Estado, fue capital del Territorio Norte y Cabecera de la Delegación Territorial de Ensenada.

Actualmente, la ciudad de Ensenada cuenta con 450,000 habitantes aproximadamente y sus principales actividades económicas son la pesca y el turismo.

Centro Cultural Riviera del Pacífico

El turismo en Baja California cuenta con una importante infraestructura de soporte como lo son: los aeropuertos internacionales de Tijuana, Mexicali, y San Felipe, en 1993, ocupó el sexto lugar en el país en la captación de vuelos directos nacionales e internacionales. Los cruceros han significado para el puerto de Ensenada ser el receptor del 33% del total de arribos de cruceros en México.

Lobos marinos en el malecón

Además de agencias de viajes, campos para casas rodantes, hoteles, restaurantes, campos de golf, entre otros, que favorecen el desarrollo turístico y sobre todo, la atención al turista. A Ensenada arriban anualmente 350,000 turistas vía cruceros, cifras superada sólo por Cancún en el Caribe mexicano.

La zona de Punta Banda

Ensenada
Baja-California

Neoclasicismo

2008-07-20T16:41:00.001-07:00

Juramento de los Horacios
Jacques David

El término neoclasicismo surgió en el siglo XIX para denominar de forma peyorativa al movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración que desde mediados del siglo XVIII, se venía produciendo en la filosofía y que consecuentemente se había transmitido a todos los ámbitos de la cultura.

La Ilustración representaba el deseo de los filósofos de la época de racionalizar todos los aspectos de la vida y del saber humanos. Vino a sustituir el papel de la religión (como organizadora de la existencia del hombre) por una ética laica que ordenará desde entonces las relaciones humanas y llevará a un concepto deísta de la verdad.

La Fuente
Ingres

Ilustración y enciclopedismo quitan al dios cristiano Yahveh del centro del universo y ponen en él al hombre, potenciando el progreso industrial y científico y todo aquello que pudiera contribuir a la mejora de sus condiciones de vida.

En el campo de las artes la Ilustración lleva a un proceso de moralización, rechazando el estilo rococó como frívolo y decadente. La aparición de una pujante clase burguesa, con unos ideales enfrentados a los de la aristocracia, principal consumidora del arte rococó, activa el proceso de regeneración de la sociedad a través de las artes.

La muerte de Marat
David

Quizá el rasgo más característico de la influencia de la Ilustración en las artes, sea el deseo de que sirvan de instrumento educativo; ya no deben contribuir a exaltar el poder de la iglesia o de la monarquía, sino ser reflejo de las virtudes cívicas. El carácter moralizante adjudicado a las artes hizo que cambiara el papel del artista que de artesano pasó a ser interprete de los valores cívicos.

Así los talleres artesanales fueron sustituidos por las Academias que racionalizaron el aprendizaje del artista y difundieron el nuevo estilo. En la segunda mitad del siglo XVIII se establecieron academias en toda Europa que daban una formación clásica a sus alumnos y les concedían becas para estudiar en Roma las ruinas del pasado.

La Gran Odalisca
Ingres

Obras como el Juramento de los Horacios plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano; el predomina del dibujo, la ausencia de Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867). Los pintores, entre los que destacó J. L. David, reprodujeron los prinicpales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.

Neoclasicismo
Jacques-Louis-David
Ingres

México Lindo...Templo de Santa Clara en Querétaro

2008-07-20T16:40:00.002-07:00

Magnífico conjunto en la ciudad de Querétaro, Querétaro, construido a principios del siglo XVII bajo el patrocinio de don Diego de Tapia, indígena descendiente de Conín, para que su hija doña Luisa del Espíritu Santo profesara en él.

El convento fue fundado con religiosas llegadas de la ciudad de México, de los conventos de Santa Clara y San Juan de la Penitencia.

Actualmente sólo se conserva el templo, que exhibe sus dos portadas gemelas de estilo barroco sobrio; en su interior guarda una magnífica colección de retablos barrocos de gran calidad, una excelente puerta de madera tallada en la antesacristía, un púlpito, la tribuna y los coros alto y bajo, considerados entre los más bellos del país por la decoración barroca que los rodea y su hermosa reja de hierro forjado.

santa-clara
queretaro

Centro Nacional de Arte en Tokio

2008-07-20T16:40:00.001-07:00

La extensa oferta artística de Tokio se ha ampliado con la inauguración del Centro Nacional de Arte, un imponente edificio de curvas de cristal que, con una superficie de 48.000 metros cuadrados, es ya el mayor museo de Japón.

Diseñado por el conocido arquitecto japonés Kisho Kurokawa, el edificio es una obra de arte por sí sola con su fachada ondulada de cristal, inspirada en rítmicas olas, y dispone nada menos que de 14.000 metros cuadrados para exposiciones temporales.

Pocos saben que la capital nipona, de casi 40 millones de habitantes si se suma su área metropolitana, es la que más acude en el mundo a exposiciones, aspecto que quiere aprovechar el nuevo Centro Nacional de Arte, ubicado en el céntrico barrio de Roppongi y cuyo objetivo es atraer a 1,5 millones de visitantes al año.

El centro está ubicado en Roppongi, un barrio que destaca por su actividad nocturna y al que ahora se quiere convertir en un centro artístico, pues acoge el Mori Art Museum y el renovado Suntory Art Museum, que abrirá sus puertas en marzo, además de muchas pequeñas galerías.

Con tres plantas y un sótano, el Centro Nacional de Arte dispone de hasta 12 salas sin columnas destinadas a exposiciones, además de una biblioteca con 50.000 libros de arte, un auditorio con capacidad para 300 personas, el restaurante de Bocuse y tres cafés.

El museo se inauguró con la exposición 'Viviendo en el mundo material', que muestra 500 obras de artistas del siglo XX, como Juan Gris o Marcel Duchamp, que incorporaron los abundantes objetos materiales de la época a su experiencia artística.
fuente:elmundo.es

National-art-center
Tokyo
Kisho-Kurokawa

México Lindo...Las Ballenas Grises

2008-07-20T16:38:00.002-07:00

En esta nueva sección pretendo dar a conocer lugares, episodios históricos, atractivos turísticos, bellezas naturales y arquitectónicas del país en donde vivo: México.

En esta ocasión comienzo con un espectáculo natural que podemos apreciar todos los años en la península de Baja California: Las ballenas grises.

Uno de los pocos lugares de la Tierra donde la ballena gris juguetea cerca de la costa, en una temporada que va de enero a finales de abril, es la península de Baja California. Las ballenas grises pasan la mayor parte de sus vidas viajando, se alimentan en el fondo del océano y son amantes de la costa. Desde mediados de otoño hasta principios de invierno, en un viaje de 9 600 kilómetros desde los mares de Alaska y Siberia, hacen la migración más larga de cualquier mamífero, recorriendo casi 160 kilómetros por día, generalmente a unas cuantas millas de la costa.

Al alcanzar la madurez, los machos, más pequeños que las hembras, miden entre 13 y 16 metros de largo y pesan casi 150 toneladas, logrando vivir entre treinta y cincuenta años. Están clasificadas como cetáceos, entre los que se incluyen las marsopas y los delfines.

Después de un periodo de gestación de doce a trece meses, las hembras embarazadas empiezan a llegar a la península de Baja California, a finales de diciembre, para parir en las cálidas y saladas aguas de las lagunas Ojo de Liebre, San Ignacio y Bahía Magdalena, en el océano Pacífico. Otros ejemplares pasarán la temporada en las lagunas y viajando hacia las costas del sur, llegando así hasta el Mar de Cortés.

La laguna de San Ignacio, que forma parte de la Reserva de la Biosfera Desierto El Vizcaíno, cuenta con 5 000 hectáreas y es el único lugar de México donde las ballenas grises dan a luz sin ser afectadas por actividades comerciales. Para los que visitan Los Cabos y el sur de la península, Bahía Magdalena, a varios cientos de millas de Land´s End, es el sitio más conveniente para ver a las ballenas, aunque también es posible verlas en las protegidas lagunas del norte, dentro de la misma reserva.

Aunque antes fueron vistas en Europa y en Asia, hoy día prácticamente se limitan al Pacífico del Norte, sin ir más al sur de México. La oportunidad de admirarlas no es poco común, sobre todo en San Ignacio y en Ojo de Liebre.

Aquí está el video de una ballena en uno de los recorridos por la península:

Ballena-gris
Baja-California

La tumba de Monalisa

2008-07-20T16:38:00.001-07:00

La Mona Lisa, cuyo retrato realizado por Leonardo Da Vinci es una de las obras de arte más famosas de todos los tiempos, fue sepultada en 1542 y su tumba se encuentra en el centro de Florencia, confirmaron hoy expertos italianos.

La existencia histórica de la modelo de Da Vinci fue confirmada por una investigación del experto Guiseppe Pallanti, que encontró su "registro de muertos" en lo que fue el convento de Santa Orsola, actualmente un edificio en ruinas en el centro de Florencia.

El hallazgo elimina la hipótesis de que la Gioconda nunca existió y que en realidad la famosa pintura, expuesta en el museo del Louvre de París, es un autorretrato de Da Vinci.

La Gioconda, cuyo verdadero nombre era Lisa Gherardini, fue esposa del mercader florentino Francesco Del Giocondo y murió el 15 de julio de 1542, a los 63 años de edad, indicó el experto.

Al presentar los resultados de su investigación, Pallanti aseguró que los archivos florentinos que descubrió incluyen que la Mona Lisa vivió en una casa ubicada enfrente a la vivienda del célebre artista del Renacimiento, en la vía Ghibellina de Florencia.

La Mona Lisa nació en Florencia el 15 de junio de 1479 y en 1495 se casó con Del Giocondo, un año después de que el rico comerciante quedó viudo de su primera esposa, Camilla Rucellai.

Según Pallani, Del Giocondo (1465-1538) era probablemente el mayor importador y vendedor de seda de la ciudad en la época y mantenía negocios con Lorenzo De Medici, conocido como "El Magnifico" , señor de la Florencia del siglo XV.

Además, usaba el banco en Roma de la familia Medici y mantenía contactos con el notario Piero Da Vinci, padre de Leonardo.

Después de haber reconstruido la biografía de Lisa Gherardini Del Giocondo, la revelación de la fecha de su muerte y de su sepultura salió de un archivo florentino poco estudiado" , dijo Pallanti, autor del libro "La verdadera identidad de La Gioconda" .

"Por primera vez se completa la reconstrucción de la vida de esta mujer y se encuentran documentos que demuestran las relaciones, ligadas al comercio, entre los Del Giocondo y la familia Da Vinci" , concluyó.
fuente:el universal

Monalisa
Giocconda
Leonardo-da-Vinci

Hagia Sophia

2008-07-20T16:37:00.001-07:00

Iglesia de la Divina Sabiduría o Hagia Sophia (griego: Άγια Σοφία, turco Ayasofya), dedicada a la Segunda Persona de la Santísima Trinidad, es una de las obras cumbre del arte bizantino. Fue construida del 532 al 537, durante el mandato de Justiniano en Constantinopla, capital del Imperio bizantino (hoy İstanbul, Turquía).

Sus arquitectos, Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto, cubrieron el edificio, de planta casi cuadrada, con una cúpula central sobre pechinas. Ésta reposa sobre cuatro arcos, sostenidos a su vez por cuatro columnas. Dos semicúpulas hacen de contrafuerte de la cúpula central y los muros abiertos están asegurados por contrafuertes. Posee además unos bellos mosaicos bizantinos.

Fue utilizada como iglesia bizantina por 916 años, desde su construcción en el año 537 hasta la conquista de Constantinopla por los turcos en 1453, momento en que fue convertida en mezquita. En 1935 fue convertida en museo.

Fue construida sobre la primitiva basílica de Constantino en tan sólo cinco años durante el imperio de Justiniano por los griegos Antemio de Tralles e Isidoro de Mileto, matemático y arquitecto respectivamente, que trataron en palabras de Agatías de «aplicar la geometría a la materia sólida». Justiniano, según su cronista oficial Procopio de Cesarea, al ver Santa Sofía terminada exclamó: «Salomón, te he superado».

Su arquitectura es eminentemente espacial, aunque el efecto exterior ha sido especialmente variado por los otomanos, que lo enriquecieron con minaretes, espolones y otros contrarrestos. La idea del edificio fue el que la gran cúpula que se iba a construir se sostuviera merced a cuatro arcos reforzados, mediante contrafuertes y semicúpulas que desviaran los empujes. Se evitaba así el uso del hormigón, empleado por ejemplo en el Panteón de Roma.

La planta es un rectángulo de 77 x 71 metros. La cúpula, de 56,6 metros de altura y 31,87 de diámetro, se apoya sin tambor en cuatro puntos y está rodeada por cuarenta pequeños contrafuertes separados por otras tantas ventanas, dando la sensación según Procopio de estar «suspendida del cielo por una cadena de oro». Por fuera, la masa de la gran iglesia se eleva no sin cierta armonía, pero sin demasiada gracia. La cúpula imponía una centralización bastante ajena a las basílicas del pasado, pero gracias a las pechinas y la traslación de los esfuerzos a las naves laterales, así como un refinado uso de la luz, «no parece decansar en base sólida».

Hagia-Sophia

Machu Picchu

2008-07-20T16:36:00.001-07:00

Machu Picchu (quechua: Machu Pikchu; “Montaña Vieja”) es una ciudadela mandada a construir durante los años 1400 y 1500, por el inca Pachacutec (época del Imperio Inca, en el Perú). Consta de dos grandes áreas: la agrícola formada principalmente por andenes y recintos de almacenaje de alimentos; y la otra urbana, en la que destaca la zona sagrada con templos plazas y mausoleos reales.

Hay diversas teorías sobre la función de Machu Picchu, sin embargo la más firme sostiene que fue un asentamiento construido con el objetivo de supervisar la economía de las regiones conquistadas y con el secreto propósito de refugiar al Inca y su séquito más cercano, en caso de ataque.

Es una de las joyas arquitectónicas y arqueológicas más importantes de los incas, siendo encontrada intacta en 1911 por el historiador estadounidense Hiram Bingham. Fue declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO en 1983, es el destino turístico más visitado en el Perú y uno de los más importantes centros arqueológicos de Sudamérica.

Según las teorías de los arqueólogos, Machu Picchu estaba dividida en tres grandes sectores: el Barrio Sagrado, el Barrio Popular, al sur, y el Barrio de los Sacerdotes y la Nobleza (zona residencial).

En la primera zona, dedicada a Inti, la deidad Sol, su divinidad mayor, se encuentran los tesoros arqueológicos principales: el Intiwatana, el Templo del Sol y la Habitación de las Tres Ventanas.

En la zona de habitaciones existió un sector para la nobleza, grupo de casas situadas en hileras sobre una pendiente; la residencia de los Amautas (sabios) caracterizados por sus muros de color rojizo, y la zona de las Ñustas (princesas) con habitaciones de forma trapezoide.

Dentro de la ciudadela supuestamente existió un sector destinado a la cárcel, en donde se aplicaban castigos a los presos, dentro de nichos de roca.

El Mausoleo Monumental es un bloque pétreo, cuyo interior abovedado era utilizado para ritos o sacrificios; sus paredes son labradas.

Machu Picchu es una verdadera joya arquitectónica. La belleza y el misterio de sus palacios de piedra son realzados por el grandioso paisaje del entorno, casi virgen, de abrupta topografía que la exuberante flora selvática tiñe de verde.

Las construcciones han sido levantadas armónicamente sobre la superficie angosta y desnivelada de una colina bordeada por los precipicios del imponente cañón del Urubamba, en el que ruge y serpentea el río 400 metros más abajo. Machu Picchu está ubicado sobre los 2.400 m.s.n.m., en lo alto de una meseta situada entre dos picos de diferente envergadura, siendo el más pequeño, el Huayna Picchu, el que caracteriza tipográficamente el sitio.

El nombre original de las ruinas pasó al olvido con los siglos. Machu Picchu es sólo una denominación topográfica, cuyo significado equivale a "cima vieja", así como Hayna Picchu significa "cima joven"; en el presente caso, la traducción debe relacionarse al concepto de volumen significando así "cima mayor" y "cima menor", respectivamente.

Desde su descubrimiento en 1911, Machu Picchu es un auténtico e insoluble enigma arqueológico. Su historia y función siguen intrigando a los estudiosos y tal vez nunca puedan ser aclaradas del todo.

Todas las edificaciones en Machu Picchu siguen el clásico estilo arquitectónico inca: construcciones con muros pulidos de forma regular y junturas perfectas entre los bloques de piedra, sin emplear mortero.

Un par de datos que evidencian el nivel de perfección técnica y arquitectónica que alcanzaron son: primero que entre piedra y piedra no cabe la hoja de un cuchillo y, después, la durabilidad de sus construcciones. Han llegado hasta nuestros días, prácticamente, intactas. Ni el paso del tiempo ni fenómenos geológicos han alterado la estructura inicial.

Es importante señalar, que los incas conocían la forma redonda (al dios Inti, lo representaron así); pero no la rueda. Cómo movían los enormes bloques de piedra que empleaban en sus construcciones es un misterio. Sin embargo, sí conocieron el plano inclinado. Lo que podría aventurar una teoría sobre cómo se las ingeniaron para elevarlos. Lamentablemente, los incas no dejaron registro escrito, debido a que tampoco conocieron la escritura.

En todo el conjunto, se encuentran alrededor de 140 construcciones entre templos, santuarios, plazas y núcleos residenciales. Hay más de cien escalinatas de piedra, muchas veces esculpidas íntegramente en un solo bloque de granito; existe gran cantidad de fuentes de agua interconectadas por canales con desagües perforados en la roca, destinadas al original sistema de riego.

En la actualidad, no es posible explicar cómo los incas pudieron trasladar hasta la cima de Machu Picchu bloques de piedra de hasta veinte toneladas.

Machu-Picchu
Peru

Las Estatuas de la Isla de Pascua

2008-07-20T16:35:00.003-07:00

Un moai (del rapanui moai, "escultura") es una estatua de piedra monolítica de la Isla de Pascua, Chile, a 3600 km al oeste de su costa continental. Los más de 600 moais conocidos están distribuidos por toda la isla. La mayoría de ellos fueron labrados en toba del volcán Rano Raraku, donde quedan cerca de 400 moais más en diferentes fases de acabado. Parece que la cantera fue abandonada repentinamente, dejando estatuas a medio labrar en la roca. Prácticamente todos los moais terminados fueron posteriormente derribados por los isleños nativos en el período siguiente al cese de la construcción.

Los primeros navegantes europeos que al principio del siglo XVIII llegaron a la isla de Pascua no pudieron creer lo que estaban viendo. En este pequeña área de tierra, descubrieron cientos de estatuas enormes, sobre la superficie de toda la isla.

El significado de los moais es aún incierto, y hay muchas teorías en torno a estas estatuas. La más común de ellas es que las estatuas fueron talladas por los habitantes polinesios de las islas hace al menos 500 años. Se cree que habrían sido representaciones de antepasados difuntos (como señales lapidarias) o quizá de personajes importantes vivos, además de símbolos de estatus familiar.

Deben haber sido extremadamente caros de construir: no sólo el tallado de cada estatua habría necesitado varios años de esfuerzo, sino que después debían ser trasportados por la isla hasta su ubicación definitiva. No se sabe exactamente cómo eran trasladados, pero dicho proceso casi seguro que exigió el uso de trineos o rodillos de madera.

Se cree que montañas enteras fueron removidas para su creación. La roca volcánica fue cortada con facilidad, y rocas masivas que pesan miles de toneladas estaban tiradas en varios lugares donde no pudieron ser refinadas. Cientos de estatuas enormes, algunas de hasta 10 o 12 m de altura y 50 t de peso, han llegado hasta nuestros días.

En un principio, estos gigantes llevaban también unos sombreros de piedra roja, llamados pukao, que pesan más de 10 t, y en ocasiones se encontraban muy lejos de las estatuas, aunque después debían ser levantados a la altura debida para colocarlos sobre las cabezas. Los moais son el principal atractivo turístico de esta isla chilena, cuyos habitantes viven del turismo y la pesca.

Isla-de-Pascua
Chile
Moais

Petra

2008-07-20T16:35:00.001-07:00

Petra es un importante enclave arqueológico en Jordania, y la capital del antiguo reino nabateo. El nombre de Petra significa piedra en griego.

El sitio de Petra se localiza en un valle angosto, al este del valle de la Aravá, a unos 80 kilómetros al sur del Mar Muerto. Los restos más célebres de Petra son sin duda sus construcciones labradas en la misma roca del valle; en particular, los edificios conocidos como la Tesorería y el Templo de los leones alados.

Se acepta el año 312 A. de C. como el año en el que los nabateos se asientan en el actual sitio de Petra y deciden hacerla su capital. Durante el período de influencia helenístico de los reyes seléucidas y ptolemaicos, Petra y su región de influencia florecieron material y culturalmente, debido al incremento en el comercio por la fundación de nuevas ciudades como Rabbath 'Ammon (la moderna Ammán) y Gerasa.

Debido a los conflictos entre los seléucidas y ptolemaicos, los nabateos ganaron el control de las rutas de comercio entre Arabia y Siria. Bajo el dominio nabateo, Petra se convirtió en eje del comercio de especias, sirviendo de punto de paso entre las caravanas provenientes de Arabia y Aquaba, y las de ciudades como Damasco y Palmira, en Siria. El estilo arquitectónico de los nabateos refleja la naturaleza activa y cosmopolita de sus ciudades, mostrando influencias grecorromanas y orientales.

Entre los años 64 y 63 adC, los territorios nabateos fueron conquistados por el general Pompeyo y anexionados al Imperio Romano, en su campaña para reconquistar las ciudades tomadas por los hebreos. Sin embargo, después de la victoria, el imperio otorgó a Petra y a los nabateos una relativa autonomía, con la obligación principal de pagar impuestos y de proteger las fronteras de las tribus del desierto.

En 313, la cristiandad se convirtió en una de las religiones estatales del imperio, lo que influyó también en la provincia y en Petra. En 330, el emperador Constantino creó el Imperio romano de oriente, con su capital en Constantinopla. Petra y su provincia pasaron a ser parte de dicho imperio.

Petra continuó incrementando su prosperidad bajo el dominio romano y bizantino hasta el año de 363, cuando un terremoto destruyó casi la mitad de la ciudad. Sin embargo, ésta continuó existiendo durante varios siglos más, y llegó incluso a ser sede de un arzobispado bizantino. Durante esta época muchos de los antiguos edificios fueron derribados y reutilizados para construir otros nuevos, en particular iglesias y edificios públicos.

En 551, un terremoto destruyó la ciudad casi por completo. De esta catástrofe Petra ya no pudo recuperarse, pues los cambios en las rutas comerciales habían disminuido también el interés estratégico del enclave.

Las ruinas de Petra fueron objeto de curiosidad durante la Edad Media, atrayendo algunos visitantes que dejaron alguna constancia de su visita, como los sultanes Bibares de Egipto a principios el siglo XIII. El primer europeo en describir las ruinas de Petra fue Johann Ludwig Burckhardt en 1812, aunque el primer estudio arqueológico formal fue el emprendido por Ernst Brünnow y Alfred von Domaszewski, publicado en su obra Die Provincia Arabia (1904), y que todavía es una de las referencias mayores en lo que concierne a la ciudad. Este estudio minucioso de las tumbas y edificios fue seguido por otros más, estudios que prosiguen hasta el día de hoy.

Petra
Jordania

2008-07-20T16:33:00.000-07:00

exposición en el Foro Scotiabank en la Ciudad de México.Febrero 2007

Timbuktu

2008-07-20T16:12:00.001-07:00

Tombuctú o Timbuctú es una mítica ciudad (la de los 333 santos), cercana al río Níger (a sólo 7 km de distancia del río), en la República de Malí, estuvo durante siglos vedada a la visita de personas no islámicas. El primer europeo en entrar en Tombuctú fue el explorador escocés Alexander Gordon Laing (1793-1826), que salió de Trípoli en febrero de 1825 con la intención de estudiar la cuenca del río Niger.

Llegó a Tombuctú en agosto de 1826 y fue obligado a marchar pocas semanas después, aunque no llegó muy lejos, pues fue asesinado en el desierto. Poco después, en 1827, visitaría la ciudad el francés René Caillié, que llegó navegando por el río Níger disfrazado de musulmán, y tuvo la suerte de volver para contarlo.

Tombuctú era el punto de entrada al desierto del Sahara y de reunión de los camelleros Tuareg, quienes la fundaron en el año 1100, durante la dinastía Mandinga.

Durante el siglo XIV se construyó la muralla actual y la primera mezquita. Tuvo su mayor esplendor durante el reinado de los Askia (1493-1591), con más de 100.000 habitantes de diversas etnias: bereberes, árabes, mauritanos, bambas y tuareg. Los habitantes estaban organizados en barriadas, donde se agrupaban, pero manteniendo activa la ciudad mediante el comercio.

Tombuctú también fue famosa por su cultura, convirtiéndose en un centro de estudios islámicos, gracias a las diversas facultades de su Universidad. Cuando la prohibición a los no musulmanes fue levantada, durante la época francesa, llegaron a su Universidad letrados y científicos de distintos lugares, españoles, egipcios, persas y de todo el Magreb.

En 1893 la ciudad cae bajo la dominación colonial francesa, no sin la resistencia de los Tuareg, que sufrieron grandes bajas dada la diferencia de armamento. La ocupación francesa se mantuvo hasta 1960, momento de la independencia de Sudán, cuando tomó el nombre de Malí.

Timbuktu

Angkor Wat

2008-07-20T16:11:00.002-07:00

Angkor Wat es uno de los tesoros arqueológicos más importantes del mundo y quizá el mayor complejo religioso jamás construido. Paradójicamente es el mayor complejo dedicado a las deidades hindús fuera del territorio de la India.

Ubicado en la Provincia de Siem Riep, Reino de Camboya (5,5 km al norte de la actual Ciudad de Siem Riep), fue el centro político y religioso del antiguo Imperio Jemer.

Abarca cerca de 200 km², pero sus límites reales trascienden las fronteras de Camboya hacia Tailandia y Laos en cuyos territorios se encuentran vestigios de templos y de la actividad política, religiosa y cultural del antiguo imperio. Dentro del inmenso complejo, el principal templo es el Angkor Thom, el templo más grande y mejor conservado de todos los que integran el complejo.

Angkor-Wat

Templo Kiyomizu

2008-07-20T16:11:00.001-07:00

Kiyomizu-dera (o Kiyomizudera, 清水寺, en japonés templo del agua pura) denomina a varios templos budistas, y más comúnmente se refiere al templo Otowasan Kiyomizudera (音羽山清水寺) en la ciudad de Kioto, Japón. El templo data del año 768, aunque los edificios actuales fueron construidos en 1633.

Los diferentes edificios forman un complejo donde hay varios recintos sagrados. El más notable es quizás el santuario Jishu, dedicado a Okuninushino-Mikoto, un dios del amor. El complejo es Patrimonio de la Humanidad, según la UNESCO.

El templo se encuentra en la lista de candidatos a Nuevas Siete Maravillas del Mundo propuesta por la New Open World Foundation del suizo Bernard Weber.

Kiyomizu

David Alfaro Siqueiros

2008-07-20T16:10:00.000-07:00

David Alfaro Siqueiros, pintor y militar mexicano nació el 29 de diciembre de 1896 y murió en enero de 1974.Su obra se enmarca en el grupo de pintores y muralistas mexicanos, junto a Diego Rivera y José Clemente Orozco.

Sus frescos en exteriores se dedicaron a temas revolucionarios y sociales, para inspirar a las clases bajas. Son pinturas llenas de color, que representan figuras con emociones intensas.

Uno de sus murales más representativos son Marcha de la humanidad, en el hotel Parque de Lama (Ciudad de México). Actualmente es el Polyforum Cultural Siqueiros.

Otras obras destacadas: sus murales del Museo Nacional de Historia y de la Escuela Nacional Preparatoria de Guadalajara.

David-Alfaro-Siqueiros

La mayor subasta en Sotheby's

2008-07-20T16:09:00.000-07:00

Pierre Auguste Renoir
Las dos hermanas

Una subasta organizada por Sotheby's en su sede londinense reunirá a algunos de los más destacados representantes del impresionismo junto a otros maestros modernos como Picasso, Cézanne, Pissarro, Gauguin o Modigliani.

El valor estimado de los cuadros que saldrán a puja el 5 de febrero lo calcula Sotheby's en más de 150 millones de euros, por lo que se convierte en la mayor subasta organizada nunca por esa empresa en Europa.

Entre los cuadros que se subastarán se encuentran varias obras de Renoir, como 'Les Deux Soeurs', con un valor estimado entre 9 y 12 millones de euros, y del 'fauve' Vlaminck, como 'Symphonie en couleurs (Fleurs)', de 1905, con un valor que oscila entre 2,2 y 5,5 millones de euros.

Picasso
Homme et femme a table

La titulada 'Maison du Jardiner' o 'Bordighera, la Méditerranée', del impresionista Claude Monet, parte de un grupo de cuadros que Monet pintó en Italia, está valorada entre 3,7 y 5,2 millones de euros.

Pintada una década más tarde, en 1894, 'Ferme en Bretagne II', de Paul Gauguin (3,7 a 5,2 millones de euros), es un tipo de paisaje muy distinto del explorado por Monet y que refleja la fascinación de aquél por todo lo primitivo.

'Trois danseuses jupes violettes', pastel de Degas (1898), es una obra que pertenece al núcleo del impresionismo y en la que el artista muestra una vez más su interés por el mundo del teatro y la danza, que le sirvieron de continua fuente de inspiración.

Cezanne, Modigliani, Sisley Y Picasso serán otros de los artistas presentes en esta importante y millonaria subasta londinense.

Sothebys
Picasso
Cezanne
Renoir

Stonehenge

2008-07-20T16:08:00.001-07:00

Stonehenge es un monumento megalítico de la Edad del Bronce y del Neolítico situado cerca de Amesbury en Wiltshire, Gran Bretaña, unos 13km al Noroeste de Salisbury.

Stonehenge está formado por cuatro círculos concéntricos de piedras. El círculo exterior, de 30m de diámetro, está formado por grandes piedras rectangulares de arenisca, que originalmente estaban rematadas por dinteles también de piedra quedando hoy en día solo cuatro en su sitio. Dentro de esta hilera exterior se encuentra otro círculo de bloques más pequeños de arenisca azulada.

Éste encierra una herradura construida por piedras de arenisca del mismo color, en su interior permanece una losa de arenisca micácea conocida como el Altar. Todo el conjunto está rodeado por un foso circular que mide 104 m de diámetro. Dentro de este espacio se alza un bancal en el que aparecen 56 fosas conocidas como los agujeros de Aubrey. El bancal y el foso están cortados por la Avenida, un pasillo procesional de 23 metros de ancho y de 3 km aproximadamente de longitud. Cerca se halla la Piedra del Sacrificio. En frente se encuentra la Piedra Talón.

Está compuesto de un gran círculo de grandes megalitos cuya construcción se fecha entre 2500 y 2000 adC. El círculo de arena que rodea a los megalitos está considerado la parte más antigua del monumento siendo datada sobre el 3100 adC. En su comienzo era un monumento circular de carácter ritual rodeado por un talud y un foso, de modo similar a muchos otros situados en el sur de Inglaterra.

En 2200 adC. fue cuando tomó su aspecto actual, para lo cual transportaron 32 bloques de arenisca desde las montañas de Preseli, al suroeste de Gales y la piedra del Altar fue traída desde una región cercana a Milford Haven.

Se desconoce la finalidad que tuvieron los constructores de este gran monumento, pero se supone que se utilizaba como templo religioso y/u observatorio astronómico que servía para predecir estaciones.

Stonehenge

El Castillo Neuschwanstein

2008-07-20T15:12:00.000-07:00

Neuschwanstein es un castillo mandado construir por Luis II de Baviera (en alemán Ludwig), y cuyo nombre se podría traducir por "el nuevo cisne de piedra". Se encuentra en Baviera, Alemania.

El rey exigió dos condiciones en su construcción: primero, que sería edificado por trabajadores bávaros y con materiales bávaros, sin apenas excepciones, lo que favoreció la creación de una poderosa artesanía en Baviera, que ha hecho de ella uno de los mayores enclaves industriales de Alemania. Y segundo, que por fuera debía asemejar los castillos de los cuentos de hadas que tanto admiraba en su juventud, pero por dentro debía contener todos los avances tecnológicos de la época.

Así, ambas exigencias se cumplieron: el castillo asemejó tanto los relatos tradicionales alemanes que fue elegido por la Disney como modelo para el castillo de la Bella Durmiente, el cual es el principal símbolo (de hecho, hay una réplica en este parque) del Disneyland Resort Paris o Eurodisney.

Por dentro, además de continuas referencias a estos cuentos o a diversas leyendas y personajes medievales (Tristán e Isolda, Fernando el Católico), contiene una completa red de luz eléctrica, el primer teléfono móvil de la historia (con una cobertura de seis metros), una cocina que aprovechaba el calor siguiendo reglas elaboradas por Leonardo da Vinci, y maravillosas vistas y paisajes a los Alpes, incluyendo una encantadora cascada que podía contemplarse desde la habitación del monarca.

Con el alejamiento voluntario de la capital de Baviera, Munich, Luis II se refugió en este castillo, y terminó viviendo allí de manera permanente, supervisando su construcción, en concreto desde unas escaleras que constituían el lugar favorito para seguir los avances obtenidos. Su alegría al verlo terminado, sin embargo, sólo duró unos días, pues murió ahogado en un lago cercano (la leyenda desconoce si fue por accidente o por asesinato con el objetivo de obtener la sucesión) en extrañas circunstancias.

Pobre negocio hicieron los descendientes de Luis II con el castillo, que vendieron al gobierno bávaro, pasando más tarde al alemán. La cantidad por la que lo vendieron iguala a los ingresos anuales actuales que el castillo obtiene por la invasión incesante de turistas que vienen a visitarlo.

Castillo-Neuschwanstein

Coliseo de Roma

2008-07-20T15:10:00.001-07:00

Coliseo es el nombre popular del Anfiteatro Flavio, situado en Roma. Fue construido en el siglo I por los emperadores de la dinastía Flavia. En él se celebraron luchas de gladiadores que podían ser vistas por 50.000 espectadores, lo que le convertía en el anfiteatro más grande de la Antigua Roma.

La construcción del Coliseo comenzó bajo el mandato del emperador Vespasiano en el año 70, continuado por su hijo Tito, que lo inauguraría en 80, aún inconcluso. Fue terminado en el 82 por su otro hijo Domiciano, que añadiría el último piso y los sótanos. Estos emperadores pertenecieron a la dinastía de los Flavios, de ahí el nombre de Anfiteatro Flavio.

Fue edificado dentro del enorme complejo del palacio de Nerón, la Domus Aurea, construida tras el incendio de Roma. Precisamente ocupó un espacio llano donde existía una laguna artificial, la Stagnum Neronis. Con esta y otras actuaciones se restituyeron a la hacienda pública los terrenos apropiados por Nerón.

El Coliseo albergó espectáculos como las venerationes (peleas de animales) o los noxii (ejecuciones de prisioneros por animales), así como las munera: peleas de gladiadores. Se calcula que en estos juegos murieron entre 500.000 y 1.000.000 de personas. Siempre se ha especulado con que albergara la naumachiae, espectaculares batallas navales que requerían inundar la arena de agua, aunque de ser cierto, es probable que fuera en los primeros años, antes de construirse los sótanos bajo la arena.

Los juegos continuaron celebrándose hasta el año 404, en el que está documentada la última pelea de gladiadores. El ascenso del cristianismo como religión oficial puso fin gradualmente a los actos más sangrientos, manteniéndose los sacrificios de animales hasta el 523.

A lo largo de los siglos XV y XVI, el travertino que lo recubría fue arrancado para reutilizarlo en otras construcciones. Entre otras, se utilizó para el Palacio Barberini y para el Puerto de Ripetta. Un conocido dicho latino reza Quod non fecerunt Barbari, fecerunt Barberini (lo que no se atrevieron a hacer los bárbaros, lo hicieron los Barberini). También se utilizó para quemarlo y obtener cal.

El expolio de piedras continuó hasta 1749, en que Benedicto XIV consagró el monumentos como iglesia pública en memoria de los mártires allí ejecutados (si bien se cree que la mayoría de éstos fueron martirizados en el Circo Máximo). Una de las ultimas barbaridades que sufrió el Coliseo fue ser objeto de simbolizar el borrador de la historia de Italia por parte de los militares. La parte del edificio que falta en la primera foto fue una bomba caída en el mismo durante la segunda guerra mundial.

El Coliseo es sin duda uno de los grandes atractivos turísticos de Roma. Ha sido llevado al cine en múltiples ocasiones, destacando la increíble reconstrucción digital, poco fiel al original, que podíamos ver en Gladiator.

En 1980, la UNESCO declaró el centro histórico de Roma, incluido el Coliseo, Patrimonio de la Humanidad [2]. Desde 2000, las autoridades mantienen el edificio iluminado durante 48 horas cada vez que en algún lugar del mundo se le conmuta o aplaza una sentencia de muerte a un condenado.

Coliseo-de-Roma

La Pirámide de Giza

2008-07-20T15:08:00.000-07:00

Nominada para las nuevas maravillas del mundo. Repetirá su hazaña de seguir siendo parte de lo más extraordinario sobre la faz de la tierra?

La Gran pirámide de Keops,la más antigua y la única que aún perdura de las Siete Maravillas del Mundo Antiguo y la mayor de las pirámides, sirvió como tumba o cenotafio a Jufu, faraón de la cuarta dinastía del antiguo Egipto (también conocido por su nombre griego Keops). El arquitecto de la obra fue Hemon, un pariente de Jufu.

La fecha estimada de terminación de la Gran Pirámide es en 2570 adC y fue la primera y mayor de las tres grandes pirámides de la Necrópolis de Giza en las afueras de El Cairo en Egipto y el edificio más alto del mundo hasta el siglo XIX.

Herodoto, quien contempló la pirámide hacia el año 440 adC, comentó que su tiempo de construcción fue de 20 años. Erigida con unos 2.500.000 bloques de piedra cuyo peso medio es de dos toneladas por bloque, llegando a pesar algunos de ellos hasta las 60 toneladas.

Originalmente recubierta por unos 25.000 bloques de piedra caliza blanca, pulidos, de varias toneladas cada uno; mantuvo este aspecto hasta principios del siglo XIV, cuando primeramente un terremoto desprendió parte del revestimiento y posteriormente los turcos otomanos utilizaron dicho revestimiento para la construcción de edificaciones en El Cairo.

Hay 2 cámaras funerarias situadas en el corazón de la pirámide y no en el subsuelo. Una de las cámaras es la llamada Cámara de la Reina. Llamada así de forma errónea ya que allí nunca se enterró a ninguna Reina. Su nombre le fue dado por los árabes, primeros en entrar en ella y al ver que el techo era a dos aguas, como las tumbas de sus mujeres, inmediatamente la bautizaron con ese nombre. Más arriba, está la cámara del Rey donde se encontró únicamente un sarcófago de granito colocado allí seguramente durante la construcción de la pirámide, puesto que es más ancho que los pasadizos.

Piramide-de-Giza

Surrealismo

2008-07-20T14:57:00.001-07:00

Salvador Dalí
Mujer joven autosodomizada por su propia castidad

El surrealismo (< francés: surréalisme < sur ['sobre, por encima'] + réalisme ['realismo']) o superrealismo es un movimiento artístico y literario surgido en Francia en el primer cuarto del siglo XX en torno a la personalidad del poeta André Breton.

Frida Kahlo
Arbol de la esperanza, 1946

Desde el principio, el surrealismo se singulariza entre los ismos vanguardistas por el valor que otorga a lo irracional e inconsciente como elementos esenciales del arte. El órgano portavoz del movimiento fue la revista Litterature, fundada en 1919 y dirigida por un grupo de poetas (Breton, Soupault, Aragon y Eluard). En homenaje a Apollinaire, estos poetas adoptaron la palabra surrealismo para definir un método de escritura simultánea con el que estaban experimentando:

Remedios Varo
Mujer saliendo del psicoanalista 1960

...Surrealismo: Puro automatismo psíquico, por medio del cual se intenta expresar, verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el proceso real del pensamiento. El dictado del pensamiento, libre de cualquier control de la razón, independiente de preocupaciones morales o estéticas...
Tal fue la definición del término dada por los propios Breton y Soupault en el primer Manifiesto Surrealista fechado en 1924. Surgió por tanto como un movimiento poético, en el que pintura y escultura se conciben como consecuencias plásticas de la poesía.

Max Ernst
Ubu Imperatur,1923

El surrealismo tomó del dadaísmo algunas técnicas de fotografía y cinematografía así como la fabricación de objetos. Extendieron el principio del collage (el "objeto encontrado") al ensamblaje de objetos incongruentes, como en los poemas visibles de Max Ernst. Este último inventó el frottage (dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo) y lo aplicó en grandes obras como Historia Natural, pintada en París en 1926.

Man Ray
L'Violin de Ingres
Otra de las nuevas actividades creadas por el surrealismo fue la llamada cadáver exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin ver lo que el anterior había hecho pasándose el papel doblado. Las criaturas resultantes pudieron servir de inspiración a Miró.

Rene Magritte
Le Viol, 1934

Entre los pintores surrealistas más destacados se encuentran Rene Magritte, Salvador Dalí, Remedios Varo, Frida Kahlo, Max Ernst, Leonora Carrington, Giorgio de Chirico, etc.

Surrealismo
Salvador-Dali
Max-Ernst
Remedios-Varo
Rene-Magritte

La Estatua del Cristo Redentor

2008-07-20T14:56:00.002-07:00

Será esta una de las nuevas maravillas del mundo?

La estatua de Cristo Redentor esta a 709 msnm, y se localiza en la ciudad de Río de Janeiro, en la cima del morro do Corcovado. Tiene una altura total de 38 m, pero 8 m pertenecen al pedestal. Fue inaugurado el 12 de octubre de 1931, después de cerca de cinco años de obras.

La construcción de un monumento religioso, en la ciudad fue sugerido por primera vez en 1859, por el padre Pedro Maria Boss y la princesa Isabel. Se retomó la idea en 1921, cuando se aproximaba la conmemoración por el centenario de la Independencia.

El sistema de iluminación fue sustituido dos veces: en 1932 y en 2000. Restaurado en 1980, con motivo de S.S. Juan Pablo II y nuevamente en 1990. En 2003 fue inaugurado un sistema de escaleras automáticas para facilitar el acceso a la plataforma donde se eleva la estatua.

Conocido como símbolo no solo de la ciudad de Río de Janeiro, sino también de Brasil, la estatua de Cristo Redentor es captada por las lentes de dos millones de turistas que contemplan y trasforman este punto turístico en una verdadera “torre de Babel”. Actualmente disputa junto con más de 20 monumentos el título de la "7ª nueva maravilla moderna".

Cristo-Redentor-Brasil

Estatua de la Libertad

2008-07-20T14:56:00.001-07:00

La Estatua de la Libertad (The Statue of Liberty, en inglés), cuyo nombre original es La libertad que ilumina al mundo, es una creación del escultor Frédéric-Auguste Bartholdi y fue obsequiada por el pueblo de Francia a la ciudad de Nueva York con motivo del centenario de la independencia de los Estados Unidos en 1886 y como muestra de la buena relación de los dos países.

Se considera el regalo más costoso de la historia. La Estatua se encuentra en la Isla de la Libertad, en el Río Hudson.

Se construyó en París con una estructura central metálica diseñada por Gustave Eiffel, creador de la Torre Eiffel; luego fue desmontada y enviada por barco hasta América. Mide alrededor de 46 m de altura y pesa 225 toneladas.

El pedestal se construyó con dinero de diferentes fuentes procedentes de EE.UU.

En 1984 fue declarada Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO y es uno de los monumentos más reconocidos de Estados Unidos de Norteamérica.

La estatua representa la libertad, básicamente, la independencia de Gran Bretaña.

La-Estatua-de-la-Libertad

Expresionismo Abstracto

2008-07-20T14:55:00.001-07:00

Jackson Pollock
Lavender Mist, 1950

El Expresionismo abstracto es el término por el que se conoce la trayectoria que siguió la pintura abstracta a partir de los años 1940 en Europa y en América. Polémico estilo que apareció en la postguerra fundados por Jackson Pollock y Willem de Kooning.

Se utilizan también los términos Action Painting (Pintura de Acción), acuñado por el crítico Harold Rosemberg en el artículo "Los Pintores de acción Americanos", publicado en la revista Art News en 1952, y American Type Painting (Pintura de tipo americano), utilizado por Clement Greenberg, para distinguirla de la pintura europea, además de la denominación de Escuela de Nueva York para un grupo de pintores cuya actividad se desarrolla en esa ciudad entre 1940 y 1950.

Willem de Kooning
Seated Woman, 1952

El grupo lo forman Baziotes, Willem De Kooning, Gorky, Gottlieb, Guston, Hofmann, Kline, Motherwell, Newman, Jackson Pollock, Pousette- Dart, Reinhardt, Mark Rothko y Still. Sin embargo, la crítica coincide en la dificultad que supone agrupar a artistas tan diversos bajo una misma etiqueta, mientras que se establece como el período más típicamente expresionista abstracto a los años que van entre 1942 y 1947.

En Europa, los precedentes del expresionismo abstracto hay que buscarlos en la abstracción de Kandinsky, la visionaria transformación de la realidad de Kokoschka y en las técnicas de impacto de Nolde y Rouault.

Expresionismo-Abstracto
Pollock
Kooning

El Kremlin de Moscú

2008-07-20T14:54:00.001-07:00

New World Wonders Candidate

El Kremlin de Moscú es un conjunto de fortificaciones situado en el corazón de Moscú, frente al río Moscova en el Sur, la Plaza Roja en el Este y el Jardín de Alexander en el Oeste.

Es el más conocido de los kremlin rusos e incluye cuatro palacios y cuatro catedrales, agrupados en el interior de un recinto delimitado por la Muralla del Kremlin, que incluye las torres del Kremlin.

El complejo arquitectónico es utilizado actualmente como residencia oficial del presidente de la Federación Rusa.

Kremlin
Moscu

La Alhambra

2008-07-20T14:51:00.001-07:00

La Alhambra es una ciudad palatina andalusí, en Granada (España).Es una ciudad amurallada real (medina) que ocupa la mayor parte del cerro de La Sabika, por su parte Granada tenía otro sistema de amurallamiento. Por tanto la Alhambra podía funcionar con autonomía respecto de Granada. En la Alhambra se encontraban todos los servicios propios y necesarios para la población que vivía allí: mezquitas, escuelas, talleres, etc.

Ben-Al-Hamar construyó el primer núcleo del palacio. Su hijo Mohamed II, que fue amigo de Alfonso X el Sabio, lo fortificó.

El estilo granadino en la Alhambra es la culminación del arte andalusí, que no se realizó hasta mediados del siglo XIV con Yusuf I y Mohamed V en 1333 y 1354.

En 1492, con la conquista de Granada por los Reyes Católicos, la Alhambra pasa a ser palacio real de los reyes castellanos.

El Comité del patrimonio mundial de la UNESCO declaró la Alhambra y el Generalife de Granada como Patrimonio Cultural de la Humanidad en su sesión del día 2 de noviembre de 1984 y 5 años después, el barrio de El Albayzín, antigua ciudad medieval musulmana, obtuvo tal denominación como extensión de la declaración como Patrimonio Cultural de la Humanidad de La Alhambra y el Generalife.

La-Alhambra

Museo del Chopo

2008-07-20T14:50:00.001-07:00

Uno de los mejores ejemplos de la vanguardia arquitectónica que llegó a nuestro país a principios del siglo XX, es el Museo del Chopo, cuyo largo periplo culminó en una de las colonias más tradicionales de la Ciudad de México: Santa María la Ribera.

Esta larga historia inicia en Dusseldorf, Alemania, donde se edificó una replica del museo local con dos torres menos. En 1903 fue traído a México y terminado de ensamblar dos años después.

La construcción formada de hierro, tabique prensado y vidrio, estilo Art Noveau, se le conoció popularmente como el "Pabellón Japonés" o el "Palacio de Cristal",. fue inaugurada en las postrimerías de la gestión de Porfirio Díaz (septiembre de 1910) para la exposición de Arte Industrial de Japón.

A partir de 1913 y hasta 1964 fue sede del Museo de Historia Natural. Cientos de miles de alumnos pasaron por sus puertas para admirar la osamenta de un mamut.

El 15 de octubre de 1929 el predio pasó a manos de la Universidad Nacional Autónoma.

Producto de un litigio, el edificio estuvo abandonado por nueve años, lo cual fue aprovechado por la entonces Directora del Museo de Historia Natural, Alma Rosa Jiménez, quien prestó las instalaciones para la filmación de algunas películas de terror, gracias a las características del inmueble - muy parecido a una estación de trenes de París -, su par de torres altas y jardines desolados.

Fue hasta 1973 cuando la UNAM lanzó una iniciativa para el rescate del terreno, por lo que se convirtió en el Museo del Chopo, nombre que tomó de la calle en que estaba situada, y que cambiaría al nombre de Doctor Enrique González Martínez.

Ahí se han presentado todo tipo de manifestaciones artísticas nacionales e internacionales. Se ha dado espacio a las artes plásticas, la danza, el teatro, el cine, la música, la escultura y últimamente, al performance.

Se ofrecen talleres de apreciación cinematográfica, modelado en barro o la talla en piedra y principios de artes plásticas.

En las afueras de este museo, se encuentra el Tianguis Cultural del Chopo en donde se venden discos, acetatos, cintas, dvd, discos compactos de todos los grupos de rock y música en general, además de todo tipo de artesanías, pinturas, ropa y arte en general.

En este lugar se presentan bandas de rock independientes y que no tienen apoyo de ninguna discográfica transnacional, muchas de las bandas de rock mexicanas que conocemos hoy en día comenzaron su carrera en este lugar.

El Chopo es un lugar en donde puedes encontrar personas de todo tipo, con las vestimentas de todos los géneros musicales e ideologías. Verdaderamente un sitio cosmopolita y sui géneris como pocos en el mundo.

Museo-del-Chopo

Pop Art

2008-07-20T14:49:00.000-07:00

Andy Warhol
Marilyn
1967

El arte pop (del inglés Pop-Art, "Arte Popular") fue un movimiento artístico surgido a finales de los años 1950 en Inglaterra y los Estados Unidos; sus características son el empleo de imágenes y temas tomados del mundo de la comunicación de masas aplicados a las artes visuales.

El arte pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura (pop) caracterizada por la tecnología, el capitalismo, la moda y el consumismo, donde los objetos dejan de ser únicos para ser pensados como productos en serie. En este tipo de cultura también el arte deja de ser único y se convierte en un objeto más de consumo. El máximo exponente del movimiento, Andy Warhol, afirmaba que "La razón por la que pinto de este modo es porque quiero ser una máquina".

Roy Liechtenstein
Drowning Girl, 1963

Los orígenes del arte pop se encuentran en el dadaísmo y su poca importancia puesta en el objeto de arte final. Sin embargo, el Arte Pop descarga de la obra de arte toda la filosofía anti-arte del Dadá y encuentra una vía para construir nuevos objetos a partir de imágenes tomadas de la vida cotidiana, al igual que Duchamp había hecho con sus ready-mades. En cuanto a las técnicas, también toma del dadaísmo el uso del collage y el fotomontaje.

Los precursores del arte pop americano son Jasper Johns y Robert Rauschenberg y el grupo lo forman Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Jim Dine, Robert Indiana, Tom Weselman y Claes Oldenburg.

Pop-Art